35 películas de culto de la década de 1980 que tienes que ver

35 películas de culto de la década de 1980 para mirar y volver a mirar

Los hermanos de blues (1980)

Los Blues Brothers son sin duda uno de los dúos más emblemáticos del cine, si no por su atractivo, sino por su presencia en la pista de baile. Jugado por John Belushi y Dan AykroydJake y Elwood deciden reformar su banda de ritmo y blues para salvar el orfanato católico donde crecieron de ser destruidos. Una avalancha de la década de 1980 en Chicago está salpicada de legendarios papeles principales Aretha Franklin, Ray Charles y James Brown todos aparecen

El resplandor (1980)

Un loco de la familia persigue a su asustada esposa e hijo a través de un hotel abandonado y laberíntico en una serie de eventos horribles que han sucedido antes. Le instamos a no temblar al ver a Jack Torrance (Jack Nicholson) ojos locos o los gemelos al final del corredor. Esta película de culto ha dejado a las generaciones sin dormir.

Star Wars Episodio V: El Imperio Contraataca (1980)

Star Wars, Episodio V: El Imperio Contraataca

© Lucasfilm / Fox / Kobal / REX / Shutterstock

Probablemente el más popular de la saga, Episodio V, la segunda película sigue la trilogía original. Princesa leia, Han Solo, Chewbacca y C-3P0 en su viaje a la ciudad de nubes en el planeta gaseoso Bespin, controlado por Lando Calrissian, El viejo amigo de Han Solo.

Gloria (1980)

© United Artists / Photo Archive / Getty Images

Tres años antes Baile flash, Irene Cara construido gracias a su papel como legado Coco. Una escuela de danza de élite en Nueva York registra la vida de ocho estudiantes y sus esfuerzos para hacer realidad sus sueños. ¿Quién llegará a la cima?

Toro furioso (1980)

© Sunset Boulevard / Corbis vía Getty Images

Toro enojado ve Martin Scorsese Diagrama la vida del campeón de peso mediano boxeador, Jack La Motta y sus gloriosas victorias contra Robinson y Cerdanluchó junto a sus propias tendencias autodestructivas. Robert de Niros El rendimiento es nada menos que eléctrico.

Gigolo americano (1980)

© Paramount Pictures / Ron Grover

La imagen de Richard Gere Esmoquin con abrigo de camello y cinturón Gigoló americano ha llegado a definir Giorgio ArmaniEs estética pulida. Cuando el diseñador italiano fue seleccionado para crear trajes de poder para Paul Schrader1980 drama sobre acompañante masculino Julian KayeTodavía estaba en una etapa temprana de su carrera. Kayes sastrería impecable llamó la atención de la industria de la moda y comenzó Armanis Carrera También desencadenó la historia de amor de toda la vida del diseñador con el lienzo.

Hombre elefante (1980)

© Silver Screen Collection / Getty Images

La vida de Joseph Merrick (Llamado John en la película), un hombre que vivía en Londres en el siglo XIX con un trastorno congénito grave fue adaptado de David Lynchcon Frederick Treves Recuerdos de la construcción de esta obra maestra 8 veces nominada al Oscar.

Los cazadores del arca perdida (1981)

En 1981, la presión aumentó como Indiana Jones (Harrison Ford) El carismático profesor de arqueología fue en busca de tesoros perdidos. La primera aventura del héroe lo lleva a Nepal, donde su ex novia posee una reliquia religiosa. Pero tiene que vencer a los nazis …

E. T. (1982)

© Sunset Boulevard / Corbis vía Getty Images

«E.T. llama a casa» podría ser una de las líneas más famosas de la película. En 1982 Steven Spielberg regalos E.T.. porque el mundo y los mansos alienígenas con grandes ojos y poderes curativos especiales vienen a iluminar las vidas de Elliot y Gertie (Drew Barrymore) Como una joya de ciencia ficción, la película tuvo una generación entera que creía que si ciclaban lo suficientemente rápido, podrían volar al cielo.

Blade Runner (1982)

© Sunset Boulevard / Corbis vía Getty Images

En un universo distópico, Rick Deckard (Harrison Ford) es un cazador de replicantes responsable del seguimiento de los replicantes escapados. Pero gradualmente cae en el encanto de Rachel (Sean Young), un replicante que tiene una memoria afectiva ficticia, un asistente y un producto de Eldon Tyrell.

La cosa (1982)

«»La cosa«era sinónimo de miedo en la década de 1980. El estilo de vida parasitario que aterrorizó a un grupo de investigadores antárticos ganó el estatus de culto después de ser nombrado».basura instantánea«en el lanzamiento. Algunas cosas tienen una forma de soportar la prueba del tiempo …

Scarface (1983)

¿Tenemos que presentar a Tony Montana, el personaje de culto de Brian de Palmas Universo gángster? El pequeño gángster cubano que se convirtió en el narcotraficante de Miami está encarnado por Al Pacino, en una de sus mejores actuaciones, merece una Globo de oro Nombramiento Aunque fue mal recibido por los críticos en ese momento, desde entonces se ha convertido en una parte integral del género de gángsters.

Los forasteros (1983)

© Warner Bros. / Kobal / REX / Shutterstock

1966, Tulsa, Oklahoma. Los Greasers son un grupo de adolescentes de un barrio pobre que están en guerra con un grupo de niños más ricos de toda la ciudad, los Socs. Ponyboy, el líder de los Greasers, conoce a Cherry, quien demuestra que los Socs no son del todo malos. Durante una pelea, Johnny, el mejor amigo de Ponyboy, mata a un Soc y la pareja huye de la policía. En el Francis Ford Coppola– imagen dirigida, Patrick Swayze Darrel Curtis, miembro de los Greasers, interpreta su chaqueta de cuero malvada que profetiza su papel en Baile sucio. Carismático y salvaje, Swayze incluso eclipses Tom Cruise, 1983 todavía relativamente desconocido.

Gremlins (1984)

© Warner Bros. Pictures / Amblin E / Sunset Boulevard / Corbis a través de Getty Images

No lo exponga a la luz solar, no lo deje tocar agua, y especialmente nunca lo alimente después de la medianoche. Estas son las tres necesidades para cuidar un Mogwai. Desafortunadamente para Billy, uno de estos mandamientos está roto y sucederán cosas malas en Kingston Falls.

Footloose (1984)

© COLECCIÓN CHRISTOPHEL © Paramount Pictures

Ren viene de Chicago a Beaumont, un pequeño pueblo en el medio oeste, y choca con la sociedad conservadora. El rock and roll y el baile están prohibidos después de que el hijo de un pastor arrogante resulta herido. El guión fue inspirado por Elmore City, que prohibió el baile durante 90 años. Después de que Ren y dos amigos intentaron desafiar los códigos morales escleróticos de la comunidad, se propusieron demostrar que bailar no es sinónimo de depravación. El éxito de la película se demostró con los nueve millones de bandas sonoras vendidas solo en los Estados Unidos.

Cazafantasmas (1984)

© Columbia Pictures / Getty Images

Cuando un grupo de fantasmas aterroriza a Nueva York, tres investigadores de parapsicología deciden comenzar su propio negocio …

Érase una vez en América (1984)

Érase una vez en América

© Colección Christophel / RnB © Ladd Company

La prohibición en Nueva York en 1933 acababa de terminar. Max y Noodles son dos jóvenes judíos del gueto conocidos como algunos de los gángsters más notorios de la ciudad.

Terminator (1984)

© Sunset Boulevard / Corbis vía Getty Images

En 1982 Arnold Schwarzenegger cambió la construcción de su culturista por una más metálica. El robot bien armado con una apariencia humana inquietante tiene una misión: eliminar Sarah Connor en el futuro, antes de que ella dé a luz a John, el futuro líder de la resistencia que causará la muerte de su raza.

De África (1985)

© Archivo del 7eme Art / Photo12 / AFP

Karen (Meryl streep) viaja a África Oriental Británica, donde convierte sus pasiones en café gracias a un matrimonio de conveniencia incumplido. Sin embargo, ella se enamora rápidamente de su novio Denys (Robert Redford) e intenta todo para domar su espíritu salvaje. Sydney PollackLa obra maestra de 1986 es una de las historias de amor más bellas y trágicas de la pantalla grande. ¿Alguien dijo clásicos?

Regreso al futuro (1985)

© Universal / Getty Images

Back to the Future es probablemente la película de ciencia ficción más emblemática de la década de 1980. El Robert ZemeckisLa película del director cuenta la historia del extraordinario Marty McFly, quien es transportado en el tiempo gracias a una máquina del tiempo. Emmett marrón (también conocido como Doc). El adolescente ingresa en 1955 y conoce a sus padres que todavía están en la escuela secundaria.

Una mirada a una muerte (1985)

Pocas chicas Bond estaban vestidas tan bien como el 1 de mayo. Max Zorins secuaz malicioso jugado por Grace Jones en John Glen Una mirada a una matanza. Mientras que Roger Moores otro interés amoroso, el tierno y los ojos de ciervo Tanya Roberts, usa vestidos flotantes en tonos pastel, Jones no es una mujer necesitada. Su vestuario es una lección de realidad de los ejecutivos que usan blazers a rayas, monos y vestidos con vendas con capucha, muchos de los cuales fueron diseñados por el amigo de Jones Azzedine Alaïa. Las siluetas exageradas del Rey de Cling y los llamativos colores de bloque eran perfectos para una mujer que era igual a Bond en todos los sentidos, ya sea que golpeara a los hombres o saltara de la Torre Eiffel.

Beverly Hills Cop (1985)

Eddie Murphy en Beverly Hills Cop es una parte integral del género de drama policial de la década de 1980. El irresistible Axel Foley, un rebelde funcionario del Departamento de Policía de Detroit, va a Beverly Hills para investigar la muerte de uno de sus amigos. Su misión lo ve levantar el velo sobre una operación masiva de drogas dirigida por un empresario influyente.

El club del desayuno (1985)

Cinco niños de secundaria son arrestados el sábado por la tarde, un castigo que solo los acerca.

Top Gun (1986)

Fue Tom Cruise Película innovadora. El estado de culto de Pistola superior sigue intacto 30 años después de su lanzamiento. Es la historia de Maverick, que perfecciona su técnica en la escuela Top Gun y se enamora de su maestro, que se toca al ritmo de Take My Breath Away de Berlín. Se está preparando un seguimiento largamente esperado, como lo anunció el propio Tom Cruise a través de su cuenta de Instagram.

La mosca (1986)

© Colección Christophel

Si una mosca molesta entra en el dispositivo de teletransportación de un biólogo brillante, los resultados son menos que deseables. Día a noche, científico Seth Brundle ((Jeff Goldblum) se convierte en un insecto monstruoso.

9 1/2 semanas (1986)

© Colección Christophel

Kim Basingers striptease infame modelado a partir de Joe Cocker‘s’Puedes dejarte el sombrero puesto«fue todo lo que esta película necesitaba para alcanzar el estatus de culto, a pesar de que fue muy criticada cuando se estrenó. El retrato torturado de una pareja que seduce, llora, juega y se involucra en BDSM mientras explora sus fantasías internas.

Baile sucio (1987)

© GAMMA / Gamma-Rapho a través de Getty Images

Baile sucio es una película de Emile Ardolino, lanzado en 1987. Entre otras cosas, la película examina los enfrentamientos culturales y la emancipación del personaje principal Baby (Jennifer Gray) Baby proviene de una familia conservadora, pero rápidamente se obsesiona con el estilo de baile empleado por el personal del resort donde ella y su familia se van de vacaciones. El baile sucio, como se le llama, es una especie de baile sensual en el que los cuerpos sudorosos se acercan cada vez más y se crea un dueto humeante. Baby pronto se compromete con la bella profesora de baile Johnny (Patrick Swayze), y los dos se enamoran rápidamente el uno del otro. ¿Par máximo? La última escena en la que Baby y Johnny bailan frente a los invitados del hotel con la canción ganadora del Oscar «El tiempo de mi vida«. La escena fue grabada en la memoria de una generación entera y la siguiente. ¿Quién no ha intentado repetir el icónico final de baile?

Buenos días, Vietnam (1987)

© United Archives / IFTN / United Archives / IFTN / dpa Picture-Alliance / AFP

Buenos días, Vietnam presenta Robin Williams actuaciones más electrizantes que dan a conocer al público en general. Williams está jugando Adrian Cronauer, Un soldado estadounidense que tuvo éxito en su programa de radio y fue transmitido a los soldados estadounidenses durante la Guerra de Vietnam. ¡El anfitrión animado con sede en Saigón trae una sensación de emoción a los soldados con su estruendoso Good Morning Vietnam! Explicación todas las mañanas. Sin embargo, su personalidad más grande que la vida y sus comentarios susurran a sus superiores. Un día, Adrián cruza la frontera … y será difícil regresar. Robin Williams Por su actuación, recibió el Premio Globo de Oro al Mejor Actor en 1988.

Los intocables (1987)

1930, la ciudad de Nueva York. Al Capone gobierna la ciudad con una red de piratas y ladrones. Depende del agente especial Eliot Ness poner fin al reinado de terror del gángster. Giorgio Armani presta su mano para crear los trajes para los actores, incluidos Kevin Costner, Robert De Niroy Sean Connery. Abrigos de gran tamaño, Borsalino Sombreros … Un armario adecuado para un mafioso con un toque de modernidad, un elemento básico al estilo de la década de 1930 en Chicago.

Chaqueta Full Metal (1987)

¿Cómo hacemos máquinas de guerra de personas? Eso es lo que Stanley Kubricks «»Chaqueta de metal completa«se trata. La película sigue Sargento Harmanmétodos de entrenamiento poco ortodoxos en un campo de entrenamiento del ejército en Carolina del Norte a fines de la década de 1960. La guerra de Vietnam continúa, y pronto los soldados son vistos como una de las primeras películas sobre autismo realizadas por Barry Levinson explora la vida de Charlie Babbit (Tom Cruise) Babbit es un vendedor de autos usados ​​y después de la muerte de su padre, su mundo se estremece cuando descubre que tiene un hermano mayor (Dustin Hoffman) Los dos se embarcan en un viaje por carretera a través de los Estados Unidos, en el que los hermanos aprenden más sobre sí mismos y entre ellos. Esta gran película ganó cuatro Oscar y el Oso de Oro a la Mejor Película del Año.

¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988)

© Buena Vista / Getty Images

En Hollywood, 1947, un detective preocupado lo persigue. Looney Toons. Eddie Valiant es un investigador privado alcohólico para quien comienza a trabajar Roger Rabbit. Conejo sospecha de su esposa Jessica Rabbitpara defraudarlo y le pide a Valiant que la examine. Una mezcla de real y Disney Animación, esta película es un clásico de culto divertido.

Beetlejuice (1988)

© Archives du 7eme Art / Photo12

Con solo 17 años Winona Ryder jugado en Tim Burton‘s’Jugo de escarabajo«. Ella está jugando Lydia Deetz, un adolescente torturado que siente pasión por lo macabro. Se muda con sus padres a una nueva casa, donde convierte a los fantasmas de los antiguos inquilinos Adam (Alex Baldwin) y Barbara Maitland (Geena Davis) que toman bajo su ala. Luego golpea el alma atormentada de Jugo de escarabajo (Michael Keaton) que quiere casarse con ella para regresar al mundo de los vivos. Definitivamente vale la pena verlo.

Cuando Harry conoció a Sally (1989)

© Castle Rock Entertainment, Nelson Entertainment / Colección ChristopheL

¿Te preguntas qué película muestra el orgasmo simulado más famoso del cine estadounidense? «»Cuando Harry conoció a Sally«¡Por supuesto! Se puede ver esta comedia romántica de 1989 Meg Ryan como Sally y Billy crystal como Harry, quien trabajó brevemente en la universidad antes de separarse. La pareja se encuentra nuevamente en la ciudad de Nueva York cinco años después, cuando ambos están solteros. Una película para los románticos.

Sociedad de poetas muertos (1989)

John Keating es profesor de inglés en la estricta Academia Welton en Vermont. ¿Su método de enseñanza característico? Dale vida a la personalidad de tu estudiante. Sus métodos llevan a sus alumnos a formar un grupo de poetas, una especie de espíritu libre al que John perteneció en su juventud. Sin embargo, en 1959, estos métodos de enseñanza no convencionales violaron las estrictas reglas de la sociedad estadounidense. Para el papel del maestro, a cada alumno le hubiera encantado Robin Williams Fue nominado a un Oscar en 1990 por su papel.

Sexo, mentiras y cintas de video (1989)

© Colección Christophel © Outlaw Productions / Jungfrau

Esta sensual película fue galardonada con la Palma de Oro en Cannes en 1989. Steven Soderbergh cuestiona los sentimientos de deseo que nos afectan a todos.

Traducido por Ashe de Sousa y Zoe Hofmann

Redwood City espera que las nuevas reglas reduzcan el uso ilegal de fuegos artificiales el 4 de julio

Otra fiesta el 4 de julio, otra lucha contra el uso ilegal de fuegos artificiales en Redwood City.

A pesar de varios intentos de la ciudad para evitar el uso ilegal de fuegos artificiales y convencer a los residentes para que disfruten de la exhibición anual de fuegos artificiales en Redwood City Harbor, el problema sigue siendo un problema. A pesar de la prohibición de fuegos artificiales urbanos en 2014, su uso siguió siendo un problema. En 2017, la ciudad aumentó las multas hasta $ 50,000 y amplió el alcance de la educación, lo que según la ciudad condujo a una reducción en el uso ilegal de fuegos artificiales. Y hace solo unos meses, la ciudad aprobó una ordenanza sobre los anfitriones sociales que tiene en cuenta a aquellos que organizan u organizan reuniones que son responsables de los fuegos artificiales ilegales en la propiedad de la ciudad.

¿Estos esfuerzos reducirán aún más el uso de fuegos artificiales durante las vacaciones? Aún no está claro, pero un arresto policial la semana pasada podría ayudar.

El jueves 20 de junio, el Departamento de Policía de Redwood City dijo que se descubrió que tres hombres jóvenes de la península poseían más de £ 1,000 fuegos artificiales ilegales de una casa peninsular en la cuadra 3500 en Hoover Street en Redwood City. El arresto provocó una reacción del sheriff de la Oficina del Condado de San Mateo para ayudar a recolectar los fuegos artificiales para su eliminación, dijo la policía. La redada resultó en arrestos por los delitos de los sospechosos.

Quizás el mayor impedimento no sea un castigo, sino una promesa de pasar un buen rato.

Cada año, la ciudad ofrece actividades familiares durante todo el día para celebrar el 4 de julio. Esto incluye un desayuno de panqueques, un desfile, una carrera de 5 km, un festival de todo el día, actividades divertidas en Courthouse Square, un show de autos y un concierto en Redwood City Harbour seguido de fuegos artificiales en el puerto.

En lugar de lanzar su propio espectáculo de fuegos artificiales (ilegales), la ciudad alentó a los residentes a unirse a la celebración comunitaria de todo el día.

Para ver un calendario completo de actividades, haga clic aquí.

Ejecutivos de minoristas de juguetes sexuales de Broomfield acusados ​​de vender drogas ilegales para mejorar la función eréctil – Boulder Daily Camera

Según un comunicado de prensa del Fiscal General de los Estados Unidos de California Central, dos ejecutivos de un distribuidor de juguetes sexuales de Broomfield están acusados ​​de distribuir drogas ilegales para el aumento de la erección que fueron 14 veces más efectivas que la dosis promedio de Cialis.

Jon Vogt, 58, gerente de compras de Eldorado Trading Company, y Dennis Jones, 65, comprador senior de la compañía, participaron en un programa multimillonario que involucra a tres compañías y tres ejecutivos en otros estados, según el comunicado de prensa. . Los dos han admitido su participación en un acuerdo de defensa.

Tan pronto como Vogt, Jones y los otros acusados ​​son acusados, enfrentan una pena legal máxima de un año en una prisión federal. Las tres compañías, incluida Eldorado, enfrentarán una sentencia suspendida de hasta cinco años, multas de hasta $ 200,000 o el doble de la ganancia bruta del crimen, según el comunicado de prensa.

Vogt y Jones supuestamente vendieron píldoras de mejora sexual fraudulentas a través de Eldorado, que se comercializa como un distribuidor galardonado de juguetes para adultos y una «fuente inagotable de productos de entretenimiento incomparables». La compañía originalmente vendía joyas indias antes de pasar a productos sexuales, dice en sus sitios web.

Los fiscales dijeron que John Seil Lee de Walnut, California, introdujo de contrabando un polvo de China llamado tadalafil, el medicamento recetado genérico para la disfunción eréctil que se vende bajo la marca Cialis. Luego convirtió el polvo en píldoras, que vendió a distribuidores como Eldorado en todo el país, dijo el fiscal estadounidense.

Los medicamentos falsificados confiscados para la disfunción eréctil son ...
Los medicamentos falsificados confiscados para la disfunción eréctil se exhibirán en la conferencia de prensa de la Oficina de Aduanas en el Ministerio de Finanzas en Berlín el 11 de abril de 2016.

Para aumentar sus ventas, los fiscales dijeron que Lee hizo las píldoras hasta 14 veces el nivel de tadalafil contenido en una dosis de Cialis. Calificó las píldoras como «remedios herbales masculinos» con nombres como «X Again», «X Monster» y «Royal Master». Sin embargo, Lee declaró incorrectamente que no se requería receta para usar el medicamento y no reveló la presencia de tadalafil en las píldoras, según el comunicado de prensa.

Cialis solo se prescribe bajo la supervisión de un médico, ya que tiene algunos efectos secundarios dañinos, que incluyen una disminución de la presión arterial, pérdida de visión, pérdida de audición y erecciones persistentes y dolorosas, dijo el Fiscal General de los Estados Unidos.

Lee se declaró culpable de una serie de delitos en febrero, dijo el fiscal estadounidense.

Eldorado Trading, Jones y Vogt se declararon culpables de comprar cientos de miles de píldoras de marca falsa de Lee que Eldorado Trading vendió por al menos $ 215,000 en ganancias, según el comunicado de prensa.

Jones y Vogt, que pasaron un año en prisión federal, fueron acusados ​​el lunes. Los esfuerzos del miércoles para llegar a los ejecutivos de Eldorado Trading o un portavoz de la compañía no tuvieron éxito.

Más de 50 escritores raros, más de 50 películas raras favoritas

Mi relación con la rareza y mi relación con el cine es una verdadera situación de «gallina / huevo», aunque conocía mi amor por el cine a una edad más temprana que mi extraña identidad. Pero desde que salí, los dos han sido casi inseparables: a través de la película, he visto lo extraño que puede ser, cómo se vio una vez y cómo se codificó. He visto extrañas historia y política, extraña alegría y dolor, extraña santidad y obscenidad, extraño orgullo y protesta. El cine como una forma de arte que refleja y rompe la cultura en la que se creó puede ser tan ilimitado como la extrañeza misma. Es raro encontrarse latente y explícitamente en el cine si no pertenece a un grupo social dominante. Si tu hacer Encuentra una versión tuya o muchas, se está produciendo un cambio tectónico. Ves el mundo y ves el cine de una manera diferente. Incluso puedes encontrar comunidad. Ese es el poder del cine queer.

En el 50 aniversario del levantamiento de Stonewall, pensé que sería divertido contactar a algunos de los escritores que más respeto y admiro y compartir cuáles son sus películas queer favoritas: todas las explosivas, emocionantes, extrañas, eróticas, cosquillas, extraño, trágico, emocionante cine queer que nos persiguió y nos formó como escritores, como personas queer. Sin embargo, el legado del movimiento por los derechos de los homosexuales en general va más allá de los 50 años. Queer Cinema y los escritores y críticos que lo aman y lo apoyan miran aquí y en otros lugares en el futuro queer, como los íconos Vito Russo y B. Ruby Rich. En lugar de limitar nuestras críticas y películas a solo 50, pensé que era un gesto simbólico aún más grande incluir las respuestas de todos los que se presentaron graciosamente.

Aquí está, niña, aquí está, mundo: más de 50 autores queer y sus más de 50 películas favoritas queer (enumeradas en orden cronológico).




@ Danielortberg;; PizarraEs «amor sabiduría»


Película:
Sylvia Scarlett (1935, George Cukor)

Antes Educar bebéantes La historia de FiladelfiaCary Grant se enamoró de Katharine Hepburn cuando era niño Sylvia Scarlett. Dirigida por George Cukor, quien era el director social no oficial de Hollywood gay en ese momento. Además de la evidente resonancia transmasculina de The Boy Kate, también existe la fabulosa resistencia vocal de Cary Grant cuando se desliza dentro y fuera del acento de Cockney y profundiza en un estado de ánimo T4T maravillosamente confuso entre estafadores y estafadores. (Kate también besa a Dennie Moore solo para mantener el puntaje uniforme).




@jake_pitre;; Catapulta, El globo y el post


Película:
Guitarra Johnny (1954, Nicholas Ray)

La fusión experta de Nicholas Ray del western y el melodrama es una metáfora políticamente agresiva del macartismo, rebosante de una paleta de colores caleidoscópicos y la tensión subyacente (extraña) opresión sexual. Guitarra Johnny examina los estados de ánimo violentos de la masculinidad, junto con la dedicación para explorar el poder del deseo, un poder que puede ser tanto destructivo como generativo. Esto tiene un logro crucial de Joan Crawford, pero también está Mercedes McCambridge, que interpreta a Emma vengativa, un personaje extraño de todos los tiempos, una mujer horrible y vengativa que contrasta maravillosamente con las expectativas que teníamos de un LGBTQ + sin problemas -Quiero presentar ahora. Guitarra Johnny Es un recordatorio de que ser el más liberador del mundo puede ser absolutamente único, pero el peligro está indisolublemente vinculado a este desafío al status quo.


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@cinementalista;; Una nueva mirada a los estudios de cine y televisión., Profesor de cine / televisión


Película:
Escorpio se levanta (1963, ira de Kenneth)

Kenneth Angers 1963 cortometraje Escorpio se levanta es un sueño de fiebre húmeda sobre el homoerotismo de los nuevos símbolos de la masculinidad masculina blanca, desde la fascinación por el cuero, las botas y las motocicletas hasta los flexibles pasteles de carne que adornan las «revistas del cuerpo». Pedirle a la audiencia que revise su pasado reciente sugiere que las cosas nunca serán tan fáciles como parecen. Y mientras comienza la asamblea de 30 minutos, estamos desafiados. ¿Por qué los hombres homosexuales se sienten atraídos por las modas que recuerdan a los nazis? ¿Cuándo es escupir un ataque y cuándo es una expresión de sentimiento sexual? (Todd Haynes volverá a esta pregunta en su película de 1991 Veneno.) En las últimas escenas, cuando un papi de cuero derrama un altar católico con entusiasmo apasionante, la ira nos recuerda que el género, la religión, el fascismo, etc. no se trata solo de suprimir la extrañeza en la política, sino también en el estilo. La estética y la política son inseparables. Sin embargo Escorpio se levantaEl verdadero truco está en su broma. Por supuesto, los queers parecen ser expertos en el drama de la moralidad de género y cultural, en el vestuario y la coreografía de las relaciones sadomasoquistas. La animada banda sonora pop de la película es vital a este respecto. Hace que las imágenes sean irónicas y nos enseña que escuchar es tan importante como mirar (y posiblemente podría liberarnos del régimen escénico enraizado en la fetichización de la iconografía por el cristianismo). Escorpio se levantaLas actitudes del campamento mostraron que podíamos destacar del trauma, incluso encendernos y reírnos de él, para modelar una mentalidad que se convertiría en un sobreviviente vital para el resto del siglo XX.




@ Sadfilmmaker;; CARTA GAY


Película:
Desfile funerario de rosas (1969, Toshio Matsumoto)

Toshio Matsumotos Desfile funerario de rosas sorprendido de ver de qué es capaz el cine. Matsumoto se adentra felizmente en la cultura underground de la década de 1960 en Tokio y transfiere libremente la historia de Edipo Rey a la vida de un artista de drag llamado Eddie (interpretado por Shinnosuke Ikehata, también conocido simplemente como «Peter»). Desfile funerario de rosas elude el género, genial entre el negro, las bromas irónicas, el horror, las entrevistas de vox-pop y la locura en la pared, y se mueve a través del parpadeo total de un cuadro a través de la anarquía total entre el melodrama y la surrealidad. Matsumoto utiliza con orgullo el léxico francés New Wave, pero no es suficiente simplemente presentar radicalmente su narrativa. Se sumerge en su trabajo, como la daga que es sangrienta al final de la película, con el espíritu de la realización de películas experimentales. Un personaje que se supone que defiende a Matsumoto y se burla de él al mismo tiempo, un apuesto artista revolucionario con barba que va a «Guevara» muestra a sus amigos sus impresionantes películas mientras se trata de un porro. (La película que ves es en realidad una obra anterior del propio Matsumoto.) Un espectador impresionado y feliz cita la leyenda de vanguardia «Monas Jekas». Este brumoso punto de encuentro captura la experiencia de ver el pensamiento completo de Matsumoto en un microcosmos. His Funeral Parade es un estudio de caso de un libro de texto en danza entre lo que Parker Tyler llamó y habla de las películas de Andy Warhol, «Drag Time» y «Drug Time». Es un celuloide afectado por el nitrato de amilo que nunca debe olvidarse.




@ RebeccaPahle;; Boxoffice Pro


Película:
Algo para todos (1970, Hal Prince)

Michael York encarna la pura energía del caos bisexual en el drama de comedia de la década de 1970 Algo para todos, una de las tres películas del legendario productor / director de Broadway Harold Prince (Cabaret, Empresa, Sweeney Todd, Violinista en el techoy toda una carga de otros). Algo para todosEl cartel canta que el mayordomo de York «lo hizo … ¡todos!» El «lo hizo» es «tener relaciones sexuales», todo con el objetivo de estar en el círculo de una familia austriaca de la posguerra con un gran castillo de mierda y un título elegante, pero sin serpentear. Pero, oh, el carisma de Michael York (y su pene) puede cambiar la cosa de «sin dinero». York es un escalador social con escrúpulos que son tan aburridos como sus pómulos. Él se propone manipular a una condesa (una reverencia fantástica, sin mencionar a Angela Lansbury), su hijo (Anthony Higgins) y su nuera (Heidelinde Weis) en este oscuro pero feliz retozo. Algo para todos se basa libremente en una excelente novela llamada El cocinero por Harry Kressing; Hugh Wheeler, quien escribió el libro para musicales ajustándolo a la pantalla Un poco de musica nocturna y Sweeney Todd, agregó más A) homosexualidad y B) intriga. Que mas necesitas




@AustinADale;; Metrograph


Película:
Basura (1970, Paul Morrissey)

Paul Morrissey Basura se filmó en el invierno después de Stonewall con diez dólares y un rollo de cinta en los sótanos y callejones de Manhattan, pero contiene una de las mejores líneas del cine estadounidense («¡Necesitamos asistencia social y no puedes tener mis malditos zapatos!») y es lo más trágico Logro: El brillante debut cinematográfico de Holly Woodlawn. Describiría la historia, pero como una noche nublada Basura se disfruta mejor sin previo aviso. En el espíritu cáustico de las mejores películas de precodificación Basura revela las verdades de su tiempo y hace que su era sea aún más descriptiva. Me conmovió profundamente desde que lo vi en el sótano de mis padres en VHS cuando era un adolescente. Vuelvo a ello porque ofrece un tutorial sobre la dignidad humana, pero también porque le recuerda al artista que no hay excusas: solo tienes que encender la cámara, seguir apuntando en la dirección correcta y seguir escuchando con atención. Un importante rompecabezas cultural alto-bajo y la obra maestra esencial del cine queer estadounidense. Basura tiene el coraje de salvar al espectador que más lo necesita y el coraje inmortal para destruir todas las ideas de sabor habituales. Ningún volumen de historial queer es satisfactorio sin conocimiento BasuraLa última media hora, e incluso sin ella, no hay una lista completa de las mejores comedias estadounidenses.


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@ blakersdozen;; La bestia diaria


Película:
Flamencos rosados (1972, John Waters)

John Waters me enseñó que queer puede ser lo que quiera, incluso una drag queen asesina que come mierda. La preocupación de que soy esto o aquello se está derritiendo de su suciedad divina: sus cejas, su voz, su maldad. Soy modesto en comparación, pero todos sucumbimos al narcisismo de pequeñas diferencias medidas por las personas que nos rodean. Flamencos rosadosEn dos familias que luchan por el título Filthiest Person Alive, se le pide que desate su imaginación y piense en lo extrañas que podrían ser las cosas en lugar de lo aburridas que son. Corre a través de todos los límites del gusto o la cortesía y es la única línea de partida en la carrera que lo ignora. Es lo opuesto a la representación LGBTQ positiva en los principales medios de comunicación. Es la película original de afuera que muestra, mucho mejor que cualquier eslogan de orgullo, que puedes ser lo que quieras, bella y / o asquerosa.




@ ShelleyBFarmer;; RogerEbert.com, Pizarra, Revista de papel


Película:
Yo, tu, el, ella (1974, Chantal Akerman)

Akermans Yo, tu, el, ella Fue la primera película que vi cuando era joven, que se dio cuenta cada vez más de mi identidad bisexual y sintió que tenía mi número. No era solo eso actos bisexualidad, aunque el personaje principal de Akerman tiene encuentros sexuales con hombres y mujeres (con el primero un trabajo manual desesperado; con el segundo una extensa secuencia de comunidad hambrienta). Había visto ejemplos literales de bisexualidad en la pantalla, especialmente el sexo pruriente y sin sangre de Woody Allen Vicky Cristina Barcelona, visto como un adolescente loco por el sexo y trágicamente casto. La película de Varda hizo algo más interesante, más impactante: capturó las cualidades psicológicas y espaciales de la rareza, especialmente la bisexualidad. La primera secuencia de la película, en la que el personaje de Akerman recita letras en voz alta, se acuesta en un colchón en el piso, come cucharadas de azúcar interminables de una bolsa y mueve metódicamente la posición de su colchón en su habitación, utiliza deliberadamente configuraciones avanzadas de movimiento y de sí misma. gesto repetitivo de una manera que crea una atmósfera de anhelo (un estado que todos sabemos es canónicamente extraño). Su cambio constante de posición y los diversos intentos de lograr un tipo de satisfacción (azúcar tragada, muebles recién arreglados) indican una identidad en el cambio. La última escena de sexo entre Akerman y su amante está marcada por un hambre cinética e insaciable por los cuerpos del otro, una explosión de deseo retrasado que estalla en la plenitud de salir.




@schlockvalue;; Instagram: @askanybuddy


Película:
Extraños suceden (1974, Arthur J. Bressan, Jr.)

Aunque hoy es difícil de imaginar, las películas eróticas fueron una de las principales formas de los medios gay. Contaban historias gay a un público gay en un momento en que Hollywood estaba más preocupado por la basura Otra historia y Socioy son los precursores directos tanto del movimiento de cine independiente gay a mediados de los 80 como del muy alabado New Queer Cinema de los 90. A la vanguardia de esta transición estaba Arthur Bressan, cuyos ocho largometrajes estrenados en cines borraron las líneas entre lo «adulto» y lo prestigioso, lo privado y lo público, películas que fueron invitadas a festivales como la Berlinale en el extranjero, pero a los Estados Unidos. Las casas porno en casa fueron desterradas.

Su debut, Extraños sucedenHay muchas cosas, un retrato amoroso de San Francisco de la era hippie, un romance, una película porno, pero en esencia es una historia que sale, no solo para el protagonista de 18 años, sino también para el aspirante queer Comunidad en sí misma. No fue la primera película en tratar este tema antiguo (Dick Fontaines) Feliz cumpleaños davy y salas de Gorton El experimento vencerlo por un par de años), es el primero que se siente verdaderamente emocionalmente auténtico y traduce con éxito estos sentimientos entrelazados de liberación sexual y conciencia política que se despiertan en una película. El final, que se filmó durante uno de los primeros desfiles del Día de la Libertad Gay en San Francisco, es emocionante. Una película pionera.




@ryanhoulihan;; El esquema


Película:
The Rocky Horror Picture Show (1975, Jim Sharman)

Si se libera, The Rocky Horror Picture Show Fue un fracaso. En ese momento, el público estadounidense no era tan musical y definitivamente no acudió en masa para ver cómo un grindhouse tomó el género. Pero curiosamente, la película tomó vida nocturna para extender sus alas. Gracias a las actuaciones de medianoche y el boca a boca, pronto se combinó un culto que combinó señales de arrastre, campamento, llamadas y respuestas y una apreciación genuina por los números de baile y la estética oscura. La historia de la película en sí sigue a una aburrida pareja heterosexual recién casada cuya mente y cuerpo son interpretados (y expandidos) por un extraterrestre travesti y sus amigos de otro mundo. El sexo, las lentejuelas y el rock and roll esperan a los fanáticos nuevos y viejos, pero tenga en cuenta que la experiencia rocosa solo es posible con una proyección en vivo con papel higiénico, confeti, tostadas y guantes de goma.


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@ Mikeymusto;; NewNowNext


Película:
Norman … ¿eres tú? (1976, George Schlatter)

Esta comedia de larga duración de 1976 grabó un fracaso de Broadway, afroamericanizó a la mayoría de los protagonistas, y luego de alguna manera fracasó nuevamente, pero tengo una debilidad por sus lados buenos y malos. En la película de George Schlatter (Rowan & Martin’s Reír), Sanford y su hijoRedd Foxx interpreta a Ben Chambers, un hombre apretado que está horrorizado de que su hijo Norman (Michael Warren) sea gay y amigo del animado Garson (Dennis Dugan, quien más tarde hizo películas de Adam Sandler). Stormy Ben está haciendo todo lo posible para enderezar a Norman, incluida la reparación de una prostituta (la estatuilla Tamara Dobson), ¡pero parece que nada funciona! El resultado es, a pesar de todas las bromas y los estereotipos en el camino, de alguna manera positivo para los homosexuales, especialmente desde que toca el ícono del campamento Pearl Bailey Mama, hay partes para Wayland Flowers y su diosa títere Madame, y la diva disco Thelma Houston canta la divertida canción del título «Uno de cada seis». Esta farsa tonta tiene preciosas percepciones extrañas o sensibilidad, pero me encanta, como un par de zapatos fabulosos que no se ajustan, pero que no parecen arrojar. Puede que Norman Chambers no sea perfecto, pero es un mejor ícono queer que Norman Bates, y disfruto el hecho de que Ben se conecta con Garson. Lo mejor de todo, fue bastante atrevido tener una pareja gay interracial en el centro de la película, aunque las multitudes de todas las razas y sexualidades se quedaron en casa en masa.




@ Stinkylulu;; Autor de Números latinos: hacerse latino en la popular actuación del siglo XX


Película:
Carrie (1976, Brian De Palma)

Ninguna película captura la extraña interioridad tan vívidamente como Carrie. Claro, es una película sobre la homosexualidad, pero esta historia de un paria de jóvenes acosados ​​es profunda y realmente extraña para GenX-me. La película comienza cuando Carrie White (la indeleble Sissy Spacek) experimenta la menstruación por primera vez en la escuela y es espectacularmente humillada por sus compañeras («Plug it up!»). Pronto entendemos que todos en su comunidad piensan que Carrie es un extraño y desafortunado monstruo, alguien que es más fácil de ignorar que tratar con amabilidad. Por supuesto, nadie se da cuenta de que la aceleración sexual de Carrie ha activado sobrenaturalmente sus poderes telequinéticos latentes. «Creepy Carrie» es burlado o ignorado por su comunidad; Cuando te saludan a la normatividad (también conocido como «invitado al baile de graduación»), la representación de la tolerancia se convierte en tu propia broma cruel y humillante. Pero Carrie contraataca y manifiesta una visión vengativa de la escuela secundaria como un paisaje infernal antes de que finalmente tropiece en casa para que le recuerden que el hogar extraño y extraño alberga los peligros infernales de todos. Aquí, también, las fuerzas que se activan por la ola de sexualidad en el cuerpo de Carrie demuestran ser más fuertes que cualquier cosa que su comunidad, escuela o familia puedan hacerle, y tal vez por eso lo aprecio. Carrie Entonces, y por qué sigo a Carrie White a través de los medios (novela, varias películas, miniserie de televisión, incluso un musical de Broadway). Cuando Carrie descubre su sexualidad, también descubre su poder para crear otro mundo. Para mí es tan extraño como parece.




@EstherOnFilm;; Medium @ EstherRosenfield


Película:
Hausu (1977, Nobuhiko Obayashi)

Me tomó un par de visitas (y un par de años de autoanálisis) para ver la rareza de este clásico japonés de gonzo horror. La película sobre siete adolescentes que son recogidas de una manera cada vez más extraña de una casa obsesionada es extraña en la forma en que te aferras a las preguntas. Es extraño en su atmósfera y bordes narrativos. La casa no solo está obsesionada por seres sobrenaturales, sino también por el espíritu de venganza de una generación mayor a la que se le ha negado un cierre heterosexual y feliz. El vínculo entre las siete niñas es más que subtextualmente extraño: es representativo de la forma en que los padres cishet estrangulan y pisotean la extrañeza de la juventud. La casa «come mujeres solteras», el horror de la película, llevada por una malicia sutilmente homofóbica. Las fijaciones estéticas de Obayashi también tienen una extraña sensibilidad. Rechaza los dogmas cinematográficos y se entrega a las posibilidades del medio, utilizando todos los trucos y técnicas que pueda imaginar para lograr un efecto divertido y terrible. Es fácil clasificarlo como cursi, pero pocas películas han mostrado un amor tan profundo (y tan extraño) por el arte cinematográfico.




@colettearrand;; El excursionista, ellos.


Película:
Crucero (1980, William Friedkin)

A veces me siento heterosexual, los hombres católicos están en una posición única para hacer películas sobre hombres homosexuales. Era un hombre católico heterosexual, al menos en público, y cuando la vergüenza que me dio mi creencia religiosa no me asfixió, fue erótico. William Friedkins duología gay, Los chicos de la banda y Crucero, son películas muy heterosexuales, muy católicas, una se asfixia y la otra hace cosquillas, y ambos sostienen que los hombres homosexuales, quieran admitirlo o no, deben ser salvados de sus deseos. Yo prefiero CruceroEl hecho de que Friedkin deje caer a Al Pacino en una barra de cuero y lo haga parte de su cultura es una admisión de que estos deseos y su resultado, el sexo anónimo y revestido de cuero del que Pacinos Steve Burns es la mitad, son repelidos. , medio codiciado – son realmente increíbles. Descúbrelo en la universidad después de una conferencia de uno de los hombres que participaron en las protestas contra la película. Crucero Abrí una puerta a una parte de mi identidad que de otro modo no podría descubrir, un momento de claridad, como una afirmación. En contraste con confirmar lo que aprendí de Crucero atascado Me alegro de que así fuera.


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@micarbeiter;; Nerdista


Película:
Cielo liquido (1982, Slava Tsukerman)

Sin llegar al borde de las historias tradicionales de presentación, Cielo liquido No hay duda de que el autodescubrimiento está en tu cabeza y, a su vez, ofrece una narrativa correspondientemente confusa. A través de una imagen de secuestro extraterrestre que tiene lugar en la escena del club East Village de principios de los 80, Cielo liquido navega a través del laberinto del despertar de la identidad de género y las colisiones que son inevitables para verte y ser visto por otros. Igual de presente es la magia que surge cuando naces de nuevo e incrustado en el mundo del joven Queerdom. La pieza central de la película, la estrella Anne Carlisle, interpreta a una celebridad del inframundo llamada Margaret y el rival profesional, creativo y romántico de Margaret, Jimmy. Su electricidad en ambos roles, así como la forma desconcertante de los visitantes extraterrestres, subraya principalmente que esta puede ser una aventura confusa, pero también es increíble.




@eric_shorey;; Nylon, Oxigeno, One37PM


Película:
Cielo liquido (1982, Slava Tsukerman)

Los extraterrestres invisibles aterrizan en el techo de un artista e invaden los clubes de punk gay a principios de la década de 1980 para alimentarse de los orgasmos y los niveles de heroína. Un retrato empapado de neón de la escena sin olas, Cielo liquido Los protagonistas se vuelven poéticos sobre el vacío de la condición humana al aplicar maquillaje espeso y reactivo a la luz negra para panqueques antes de interminables noches de baile y uso intensivo de drogas. ¿Los extraterrestres que comen queers son una metáfora temprana y amenazante del SIDA? Lo más probable! En ambos casos, la trama se detiene en varios puntos de la película para ver los desfiles de moda más desgarradores de la historia del cine. Cielo liquido inspiró el movimiento de electroclash de corta duración de principios de los años 2000 y desde entonces ha sido un retrato subestimado de una extraña ciudad de Nueva York que ya no existe.




@oldfilmsflicker;; Fanático del cine


Película:
Corazones del desierto (1985, Donna Deitch)

Si no me hubiera dado cuenta de que era pansexual, Donna Deitch Corazones del desiertoy especialmente la icónica apariencia de Patricia Charbonneau habría sellado el trato. De hecho, estoy seguro de que esta película ha sido un punto de inflexión en la vida de muchas mujeres queer en los 30 años desde su lanzamiento (ver la gran referencia a ella en Desiree Akhavans La mala educación de Cameron Post) Basado en la novela de 1964 Desierto del corazón La película de Jane Rule sigue a una profesora abotonada de la Universidad de Columbia, Vivian Bell (Helen Shaver), que viene a Reno para divorciarse de su esposo y se enamora de una mujer joven de espíritu libre llamada Cay (Charbonneau). Entre la cinematografía con luz de neón de Robert Elswit y la chisporroteante química entre los personajes principales, el exuberante romance de Deitch continúa llegando a los corazones de la audiencia y coloca una serie de luces a su alrededor.




@ Foxe_steve;; Insertar revista


Película: Una pesadilla en 2 Elm Street: Freddy’s Revenge (1985, Jack Sholder)

Cuando gran parte del boom slasher de la década de 1980 luchó con el miedo sexual, Una pesadilla en 2 Elm Street: la venganza de Freddy es una de las pocas películas de terror convencionales que le han dado a la ecuación rareza. Una secuela impetuosa sin la contribución del creador original Wes Craven, La venganza de Freddy rompe la lógica de la Pesadilla Películas donde Freddy aparece en el mundo real: ¡matar en sueños es más o menos su captura! – Pero aparte de su herencia de franquicia, que se basa exclusivamente en el abrazo del guionista David Chaskin con la infame máxima «El subtexto es para cobardes», se ha convertido en un clásico de culto. Con el joven actor Mark Patton (que acababa de interpretar a un personaje gay en otra película y no quería ser escrito) como Jesse, una de las pocas «chicas finales» masculinas del género. La venganza de Freddy transforma al ladrón de sueños con cicatrices en una manifestación física de la sexualidad contradictoria de Jesse, e incluso muestra una escena en la que Freddy mata al profesor de deportes de Jesse en una escena de ducha inspirada en el BDSM, no mucho después de que Jesse lo encuentre accidentalmente en un bar gay. Patton, que es gay en la vida real, luchó con el legado de la película y dejó de actuar en gran medida según la experiencia, pero aceptó La venganza de Freddy como un clásico queer camp en los últimos años. Rara vez la idea de monstruosos deseos se hizo más literal que en el segundo viaje de Freddy Krueger.




@misgenders;; Xtra


Películas:
Moonstruck (1987, Norman Jewison); Violinista en el techo (1971, Norman Jewison)

Aquí interpreto un poco «raro», pero creo que[[[[Camión lunar logra empalar conceptos de amor romántico, compromisos familiares, moralidad matrimonial y convención social sin parecer cínico o descarado. Captura perfectamente lo absurdo y la insensatez del amor heterosexual y al mismo tiempo celebra el poder redentor del buen sexo y la comunicación abierta. Mire en una cuarta cita después de una pesada cena italiana.

Y aunque supuestamente sobre la heterosexualidad, Violinista es obviamente gay Es un espléndido drama musical con altibajos, una adaptación de los clásicos yiddish de Sholom Aleichem (adaptado en Broadway) que cuenta la historia de una comunidad judía rural en los días violentamente decrecientes del Imperio ruso. Curiosamente Violinista se cuenta a través del punto de vista de un hombre, pero los personajes femeninos, una mezcla de estereotipo, parodia cómica, verdadera calidez y matices, son los impulsores de la trama. Una pelicula extraña Violinista permite a la audiencia hacer preguntas serias y crear espacio para conceptos tan grandiosos como tradición, matrimonio, familia y pertenencia. Crea espacio para la complejidad al tratar los problemas que surgen de los tiempos cambiantes y ofrece paralelos a través de los cuales podemos ver mejor las cambiantes costumbres sexuales y políticas de nuestro momento. Pienso mas Violinista Es francamente una lectura importante para comprender el judaísmo subtextual de tantas comedias queer del siglo XX. En este sentido, es un clásico que debe verse de nuevo todo el tiempo.




@bstolemyremote;; Malditamente asqueroso, Anatomía de un grito


Película:
Hellraiser (1987, Clive Barker)

Hellraiser es el debut como director de Clive Barker, cuyo personaje es cortesía de las imágenes de S&M que le dan un tono sexual peligroso. En la superficie, es una película de terror sobre una caja en la que se conjuran cenobitas, criaturas de otra dimensión que infligen dolor y placer a los mortales desprevenidos. Todos se centran naturalmente en Pinhead et. Al, pero lo realmente extraño es el rico melodrama que aparece en la fachada de la humilde domesticidad de la familia Cotton, es decir, la infidelidad, el amor prohibido y la desconfianza familiar.

El instigador de todos los problemas es Frank (Sean Chapman), cuya estética es básicamente «atractivo sexual sudoroso sin camisa». Es la oveja negra de la familia Cotton, un tipo de personaje que folla tan bien que la MPAA ha reducido el número de golpes en su escena de sexo para evitar una calificación más dura.

La víctima / compañera en el crimen de Frank es Julia Cotton, su cuñada. La matriarca de cabello rubí está tan enamorada de la buena polla de Frank que atrae a calzoncillos anónimos a una sala de asesinatos para que su amante de los esqueletos pueda absorber sus jugos y reconstituirse. Es el tipo de historia de «el amor conquista a todos» que solo funciona porque la actriz Claire Higgins está muy comprometida con su mala madrastra. Julia ist wild, sie ist entschuldigungslos sexuell und sie erledigt den Job (nicht weniger mit einem Hammer!). Aus diesen Gründen ist Julia eine echte Diva-Ikone und Hellraiser ein seltsames Meisterwerk.


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@bmanuel;; Remezcla


Film:
Gesetz des Begehrens (La ley del deseo) (1987, Pedro Almodóvar)

Almodóvars dampfendster Film beginnt mit einem Mann in nur seinen engen weißen Slips, der sich selbst berührt und sein eigenes Spiegelbild küsst («Denk, ich bin es, den du küsst und du magst es», weist ihn die Stimme eines Mannes außerhalb der Kamera an). Wir schauen uns einen Film in einem Film an. Es ist der erste der vielen meta-textuellen Momente, die diesen Comic-Thriller von 1987 über die unglückliche Liebesbeziehung eines schwulen Regisseurs – eher wie ein Sommerabend – mit einem verrückten jungen Mann (gespielt von einem schwelenden Antonio Banderas, der oft gesehen wird) verankern in nur seinen y-Fronten). Es war nicht mein erster Almodóvar, aber so viele seiner großartigen Bilder drangen in mein Gehirn ein, dass es genauso gut gewesen sein könnte. Fröhlich gegen einen Highsmithian-Protagonisten vorgehen, der die angeblichen Gefahren des seltsamen Verlangens abbaut und verkörpert, Der Ley del Deseo ist ein Arch Noir, der mit kräftigen, leuchtenden Farben bemalt ist und die Sie gleichermaßen erröten und zusammenzucken lassen kann, normalerweise innerhalb derselben Szene.




@ Nathanielr;; TheFilmExperience


Film:
Gesetz des Begehrens (La ley del deseo) (1987, Pedro Almodóvar)

Du vergisst nie deine erste Liebe. Für schwule Cinephile gilt das Gleiche für das erste gebogene Stück Zelluloid. Im Nachhinein ist es einfach, Ihre Favoriten aus der Kindheit in Frage zu stellen, aber ich spreche von dem ersten Stück LGBTQ-Kino für Erwachsene, das Sie als solches erkennen. Eine meiner ersten derartigen Begegnungen war mit Pedro Almodovars Gesetz des Begehrens. Der spanische Autor macht oft visuell ekstatische Filme über Filme, aber er schreibt sie mit der Tiefe und Komplexität eines Romans. Ich möchte mir vorstellen, dass er die Tatsache lieben würde, dass ich mich zuerst in ihn verliebt habe, Text gelesen, gelesen (und wieder aufgenommen) habe Lesen und erneutes Lesen) Die Rezension der Lokalzeitung zu einem kühn schwulen Film, von dem ich überzeugt war, dass ich ihn niemals sehen dürfe. Die Rezension faszinierte und entsetzte das junge Ich mit der Beschreibung einer Szene, in der der Filmemacher einen jungen Mann anweist, gegen einen Spiegel zu masturbieren, und mit den Details der drei Hauptfiguren: eines promiskuitiven schwulen Regisseurs, seines psychotischen Fans / Liebhabers und des Die Transschwester der Filmemacherin spielt nebenbei ihre eigenen inzestuösen Melodramen aus.

Ein Jahr später habe ich den Film gesehen und es war mehr als ich gehofft hatte: die satten Farben, die noch intensiveren Emotionen, die gefährliche Romantik! Carmen Maura weinte, während der Soundtrack versprach: «Du wirst tausend Angelegenheiten haben.» Antonio Banderas mit den Beinen in der Luft. Diese Sehenswürdigkeiten haben mich nachhaltig verändert.




@ Jaymichaelson;; Das tägliche Biest


Film:
Gesellschaft toter Dichter (1989, Peter Weir)

Gesellschaft toter Dichter ist seltsam, wie ich seltsam war, als ich es 1989 sah: verschlossen, sublimiert, überkochend. An der Oberfläche handelt es sich um die Geschichte eines von Whitman / Thoreau / Romantik durchtränkten Poesielehrers (gespielt von Robin Williams), der seine Schüler zu sechzehn am Tag inspiriert. Es ist auch tragisch, Separates StückBromance im Stil zwischen zwei Mitbewohnern: ein schüchterner, ungeschickter Ethan Hawke und ein dünn-hinreißender, angehender Thespian, gespielt von Robert Sean Leonard.

Doch unter dieser Oberfläche ist alles Seltsamkeit, Unterdrückung und Eros. While the “friendship” is never sexualized, Leonard’s character’s sexuality (and Hawke’s intense love for him) is dog-whistled in a way that would’ve made Vito Russo proud: The way he freezes up when a hyper-masculine buddy brings call girls to a Dead Poets Society meeting, his repressed-then-sublimated yearning for poetic self-expression and (spoiler-trigger-etc.) his suicide, which seems under-determined by the overt plot but inevitable by the logic of queerness in the 1950s.

I, too, thought that I was inspired by carpe diem;; I went to college the next year, determined to be a poet and live an extraordinary life. I did end up doing that. But then, why did I also see every play Robert Sean Leonard was in? Why did I, pre-internet, follow the twists of his life in magazines and newspapers? Why was I so focused on living an eros-filled life of poetry, shouting my barbaric yawp, as it were, while my friends were getting laid? For years, Dead Poets was a queer riddle I didn’t yet understand.


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@Sam_Moore1994;; i-D


Film:
Edward II (1991, Derek Jarman)

I was a bit of a late bloomer when it came to queer culture that really resonated with me. I don’t remember what it was that got me watching Jarman’s Edward II, just that I was watching it on my own, on a laptop, like it was a dirty little secret. It cast a spell on me: its anachronistic anarchism, a queerness that I hadn’t seen articulated so explicitly before, the beginnings of a fascination with Tilda Swinton that’s never gone away. Edward II showed me what queerness in art could mean, how many different forms it could take. It was tragic, but not in the same deliberate, Hollywood-tearjerker way that films like Milk are. Jarman’s films have always been political more than anything else, so it’s no surprise he brings elements of queerness and punk to Marlowe’s tragedy, with protestors squaring off against riot police, brandishing signs reading “gay desire is not a crime” and “get your filthy laws off our bodies.” Like all of Jarman’s work, Edward II retains a sense of urgency, still necessary viewing for anyone who hasn’t seen it yet. Jarman reclaims history, challenging the vilification of queerness and pulling a centuries old text by the scruff of the neck into a modern context. Not “gay” as in “happy,” but “queer” as in “fuck you. “Ever since I first saw Edward II, it feels as if I’ve been lost in its sprawling castle, and I’ve never had any desire to come out.




@Camera_Angel;; Slicin’ Up Eyeballs podcast


Film:
The Silence of the Lambs (1991, Jonathan Demme)

I’ve decided to take this opportunity to chronicle my journey of transness through cinema (but I’ll exclude pornography). The most important film is The Silence of the Lambs and its “woman suit” conceit, which, though twisted, resonated with me as a young man desperate to escape masculine expectations. The Crying Game later showed me transsexuality could be beautiful and part of society. The Skin I Live In was a forced feminization tale of dysphoria I fell for instantly. The first film to truly make me question my own relation to gender was Laurence Anyways, if for its utter failure to convey an understanding of trans psychology that even as a then literal man I felt I had. Perhaps still most embarrassing, Frozen’s coming out anthem “Let It Go” stayed insistent in my then-genderqueer head for a few days until I relented and decided to transition. Under The Skin’s uneasy inhabitance of a physical form spoke directly to my still ongoing failure to relate to my body. Both the old and new Ghost in the Shells furthered this thread of eternal discomfort. When this lack of promised new bodily comfort led me to begin to question trans psychological orthodoxy, Dressed to Kill showed me fiction could provide alternatives. At last, a return to the old well of Silence of the Lambs illuminated to me something difficult and unpopular, but something that finally brought me peace through a transition of validity and passing anxieties: Even an ethically sourced woman suit couldn’t put me truly inside femaleness. But that’s OK; a broader lesson of The Crying Game still applies: It doesn’t mean I can’t be a hot trap.




@reverse_shot;; Film Comment, Reverse Shot


Film:
The Long Day Closes (1992, Terence Davies)

The very particular pains and pleasures of the pubescent queer experience have rarely been adequately captured onscreen. Perhaps these tender years need a more abstract approach, one free of linear cause-and-effect narrative and given to the kinds of visual and aural ruptures that only a daringly personal filmmaker can bring. Enter Terence Davies, the great British director who has spent a good deal of his brilliant career exorcising the demons of his Liverpudlian youth in the 1950s. The traumas of growing up gay in repressive England—where consensual sex between men was outlawed until 1967, let’s not forget—and the self-hatred it can instill don’t make for trendy stories of pride, but in this case they do result in something even better: true, honest works of art. Of these, 1992’s The Long Day Closes is the most poignant, an exquisitely beautiful yet unsettling evocation of the roiling internal landscape of a movie-loving pre-teen—Davies surrogate Bud (Leigh McCormack)—who stares out at a confusing world with wonder, befuddlement and desire. The Long Day Closes takes up residence in the in-between space in which queer people (and especially queer aesthetes) often inhabit. For this writer—once a queer kid himself—there’s likely no more powerful or erotic movie image than the early moment in which a shirtless, sweaty yard laborer catches the eye of a young Bud, who’s staring, as he always seems to be, from a window. Caught looking, Bud feels that instant pang of shame, and sinks from the window in embarrassment. Good thing—at least for the time being—there’s always another spectacular Technicolor movie world for Bud to escape into.




@ehnewman;; Los Angeles Review of Books


Film:
Death Becomes Her (1992, Robert Zemeckis)

I adored Death Becomes Her when I first saw it as a child, but I only came to appreciate (what surely resonated for me then as) the film’s gay sensibility as an adult. I wanted to live like Isabella Rosselini, dripping in jewels (and nothing else), eternally beautiful and young, attended by a beefcake houseboy in her LA mansion. Fashion, location and taste may change, but the outlines of our desires are a constant, no? I still delight at the razor sharp barbs that fly between aging movie star Madeline (Meryl Streep) and her novelist friend Helen (Goldie Hawn), sterling examples of the acerbic queer humor in which the side-splitting takedown is also an act of love. It’s no surprise that the film has been much adored by the drag community, who find in Streep and Hawn rich possibilities for diva camp. Death Becomes Her also featured ambitious special effects that lent the movie a wonderful surrealism, only enhancing its comedy. I’d rather watch Hawn emerge out of that bloody Greystone fountain, the gaping hole in her stomach framing Streep and Willis like a family portrait, than Robert Patrick oozing into shape as the T-1000 in Terminator 2, which came out a year earlier and set a new standard. If you haven’t seen it, you should. But first, a warning—“NOW a warning?!”—you’ll be quoting it for weeks to come.


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@tonyahardingjr;; Lady Science
Film: Single White Female (1992, Barbet Schroeder)

Queer obsession is a fraught topic in both film and politics. The fuzzy, often illusory line between “I want to be with you” and “I want to be you” permeates many queers’ formative memories—the blister-bright nausea of being enamored and hoping, through enough painstaking mimicry, that those feelings will be returned in kind. But that mimicry is itself a spectacular horror, for both the object and the subject. Single White Female succeeds by turning the outsized feelings Hedy (Jennifer Jason Leigh) holds for Allie (Bridget Fonda) into camp-ghastly visuals: nearly matching hairdos, a murdered puppy, Steven Weber’s cock. What could be a better image of soured loyalty than Hedy stalking her imagined cariad with a meathook, eyes dulled like an abandoned dog?

There is nothing graceful about this movie—and Allie’s devoted gay upstairs neighbor may as well be played by an Egg McMuffin. When the right to exist openly is not guaranteed, any film that offers a glimpse of the messier side of queerness, however obliquely, is always a political risk. Queer film is never not problematic, then, especially when it had to adhere to the plodding and pathologizing tendencies of ’90s psychological thrillers. Still, at its best, Single White Female sees some of us queers as we were at our worst: driven to monstrous devotion for people who would have rather kept us as a convenient anecdote.




@worstcinephile;; Wylie Writes


Film:
Batman Returns (1992, Tim Burton)

Tim Burton’s second stab at the Dark Knight is rarely engaged through a queer lens, but the film articulates queer despair and loneliness, as well as politics, in ways that very few A-budget pictures at the time were able to express so discreetly. While I may have—and perhaps should have—picked a more celebratory, upbeat film, Batman Returns is consistently on my mind, strangely enough as a character study, for how it represents so clearly and yet so bleakly the darker side of queer life—failure, abandonment, isolation—and the heteronormative fear of a radical politics so consistently disparaged by the neoliberal centrists who run the show. Unlike a number of Hollywood films, Batman Returns ends rather depressingly: Bruce Wayne (Michael Keaton) does not end up in a monogamous, heterosexual relationship with Selina Kyle (Michelle Pfeiffer) after “coming out” as Batman (he ends up, then, quite literally closeted). The leather-wearing Catwoman spends much of the film exacting revenge on predatory men—including Batman himself—after suffering for years as a lonely, cat-owning, plush-collecting secretary. Finally, Danny DeVito’s carnivalesque Penguin, who is abandoned by his wealthy parents in the very first scene, attempts to assimilate politically by running for Mayor (albeit deceitfully), and ends up on a mission to kidnap and murder every child in Gotham City, a direct result of reproductive futurity. While certainly this subtext may invite interpretations of the film as “conservative” or “regressive,” the film’s evident sympathy with its characters (even the Penguin’s death is presented tragically) certainly validates the downside of growing up feeling different and abandoned, especially in the midst of the Culture Wars.




@ghweldon;; NPR


Film:
Careful (1992, Guy Maddin)

Set in a fictional Alpine village so threatened by avalanche that the citizens remove the vocal cords of their livestock, never speak above a whisper and keep their emotions strangled, Careful isn’t subtle about its central metaphor. But then, what self-respecting ultra-low budget parody of German Mountaineering films of the 1930s would be? The forbidden love that drives the plot is Oedipal, not gay, but hoo boy is this movie hilariously, exultantly, bioluminescently queer. When I saw it in 1992, its numerous, exquisitely mannered aspects—acting, directing, costumes, makeup, set design—had me bark-laughing in a nearly empty theater; my fellow audience members were really not vibrating at this movie’s frequency the way I was, and still do, and always will. But it’s the script that’s crawled inside my heart and has taken up permanent residence: “Don’t stand so close to the walnut tree!” “Never hold a baby’s face near an open pin!” “We can live on berries, and grasses, and the small animals we can kill with sharp sticks!”




ArtForum


Film:
Fast Trip, Long Drop (1993, Gregg Bordowitz)

The word “crisis” in “The AIDS Crisis” is an impossible referent, understood as usefully designating a historical period yet also under constant stress to include the present-day inequalities and exigencies of HIV and AIDS. Gregg Bordowitz’s 1993 film essay Fast Trip, Long Drop plumbs the textures of “crisis” more than most other moving-image documents of AIDS and queer culture in New York of the period. Mixing various genres, from documentary footage of ACT-UP marches to scripted send-ups of liberal AIDS politics and stock sequences of demolitions and stunt accidents, the film asks how a community can still learn to historicize itself in the face of its own extinction. Still to this day, Bordowitz’s artistic gift is to find the long histories and theories within even the most immediate hungers of our emotional lives (Fast Trip locates shtetl culture as a curious past cognate of queer experience). His tone is ferocious and analytic, and often funny: Filmmaker Bob Huff caricatures Larry Kramer as “Larry Blamer,” more splenetic patriarch than community activist, while artist Andrea Fraser provides a star turn in her character “Charity Hope-Tolerance,” a PWA and repository for white-hetero projections of HIV/AIDS.

Yet Bordowitz reserves his most cutting introspection for his own effort—a cable TV show he created in 1988 with Jean Carlomusto titled “Living With AIDS.” Softened into a patronizing “Thriving with AIDS,” the program becomes a forum for Bordowitz’s old world world-historical alter ego, Alter Allesman: “I have fantasies of murder,” Allesman boldly confesses on air. “Not famous people, not politicians, movie stars, a no one. Someone I pick up, a trick. I’m fucking him and I’m gonna infect him. The entire purpose of reaching orgasm is to give him AIDS. It’s just a fantasy, just a fantasy, but it’s very important to me to feel like my fantasies are powerful; I desperately need that. If our fantasies cease to be compelling, even only to us, then we’ve lost. Then we’re truly dominated. And I feel that way. I’m no longer a Person With AIDS. I am AIDS.”


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@cinematrans;; MUBI, Hyperallergic


Film:
Safe (1995, Todd Haynes)

What happens when you do not know the words to describe what is wrong with you? Carol White (Julianne Moore) rapidly decays into irresolution in Todd Haynes’s 1995 masterpiece in ways that are simultaneously visceral and frustrating. What she believes to be environmental illness, one that has her body rejecting a lot of her femininity and housewife roles, is not as cut and dry as she claims it to be. This leads to a further false path in Louise Hay-inspired New Age thinking, abdicating all autonomy of her body and conscience in favor of positive thinking.

I first watched Safe in college, a time where I was starting to shed my denial of being trans after avoiding it. The film is often synonymous with AIDS allegory, but Haynes also lets that disease exist in his world. Carol’s issue is far more tied to the self. I read Safe as a body dysphoria story. Carol White felt like an unsolicited mirror that I needed at that point in my life, as she was often searching for the words to her problem but then always seemed to avoid the interrogation of the self. But I would come to find the words to describe how I feel and interrogate my problem. Safe as trans allegory might read as a reach for some, but in getting to the bottom of trying to confront the unexplainable in your body and mind feeling at odds, I cannot think of a better film.




@marflukebill;; Field of Vision, filmmaker


Film:
The Cherry Cherry Chainletter Tape, Joanie4Jackie (1995, K8 Hardy, Sara Marcus, et al)

About five years ago—and about 15 years too late—I developed a hard and fast infatuation with the Joanie4Jackie chainletter tapes, a sort of girls-only VHS mixtape delivery service devised by Miranda July in Oregon in 1995. The idea was that July would disseminate a call for submissions through letters and zines, asking young women around the country to send her their films, which she would then dub to a VHS and send to everyone who submitted. The resulting tapes (there were about fifteen before July donated the archive to Bard, where the program was continued as a club) fuse shorts from underground favorites like Vanessa Renwick, trailers for films by Sarah Jacobson (Mary Jane’s Not a Virgin Anymore) and queercore hero G.B. Jones (“The Yo-Yo Gang”), and work from rural teens who would never make another film. Everything is so raw, everyone is so young, nothing is clothed in curtains of metaphor or subtext. In one short Tammy Rae Carland uses the camera as a proxy for her mother and comes out to her. These were consistent themes: coming out, speaking out loud, yearning, releasing desire, feeling unsafe and in need of being heard. In addition to the directness, the cut-and-paste aesthetic, born of both necessity and the influence of filmmakers such as Jennifer Reeves and Peggy Ahwesh, was super inspiring to me. It also hurt, to identify so strongly with this aesthetic, these stories that commanded a gender-exclusive space so strongly that to be viewed with “masculine” eyes felt like a violation.

I befriended a recent Bard grad with access to the entire archive, as well as several filmmakers who had been J4J mainstays. We played the tapes at a few DIY venues before the collection ultimately moved to the Getty Museum. A lot of the filmmakers showed up. I tried not to apologize for being the “only man in the room” and failed miserably. They were thankful for the screening, my heart pounded. Look for Dulcie Clarkson and Tara Mateik’s work, as well as Sarah Kennedy’s, for some great gay coming-of-age stuff, in addition to those listed above, but really everything on the tapes is worth watching.




@Lena_Houst;; Film Misery


Film:
Bound (1996, Lana & Lilly Wachowski)

Watching the Wachowskis’ pre-transition films feels like the trans equivalent of early queer-coded Hollywood cinema. It’s hard not to notice the identity exploration and societal anxiety bubbling beneath their grand, sophisticated allegories. In their debut, Bound, though, queer desire is not only foregrounded, but luxuriated in. A pulpy lesbian noir whose sexual expression borders on pornographic, I can imagine queer viewers in 1996 reading this as a scopophilic masculine fantasy by two fetishistic film bros. Seeing it now, though, I can only see it for what it always was: an expression of repressed queer desire from two women tired of being told who they are by others.

There’s an element of performance to most closeted queer life, but flirtatious mafia-girlfriend Violet (Jennifer Tilly) has built her life on performed masculine fantasy. “Let me guess, deep inside you, is a dyke just like me,” lesbian ex-con Corky (Gina Gershon), constantly covered in juicy grime and oil, sarcastically darts at Violet after acting on their sensual, frank foreplay. Corky struggles accepting Violet’s genuine desire becuase of her hetero-appeasing presentation and transactional connection to men—but love isn’t business. It’s not a coordinated exchange of goods. It’s trust: Trusting someone to be who they say they are in close, open quarters. The queer dissonance of Bound is personified by the two apartments the action plays across. One a chic, stainless lie. The other’s a bare-bones, sensually plastered mess. It’s the truth, though, and there’s plenty room to paint on a clean canvas.




@tracedthurman;; Bloody Disgusting


Film:
Scream (1996, Wes Craven)

You can’t tell me that a horror film that climaxes with its two male killers (Matthew Lillard’s Stu and Skeet Ulrich’s Billy) violently penetrating each other with knives isn’t queer. The stabbing so clearly represents their first time having sex with each other (a painful flip-flopping anal penetration for the virginal duo). Even if you don’t read it that way, you can’t deny that there is some definite homoeroticism peppered throughout the film. The video store scene alone, in which Stu fingers Randy’s (Jamie Kennedy) earlobe while draped over his shoulders, nearly cements the former’s queer status. In addition to Billy and Stu, you’ve got queer screenwriter Kevin Williamson’s genius meta dialogue and a fantastically bitchy queer icon in ambitious reporter Gale Weathers (Courteney Cox). What makes a fantastically bitchy character like Gale Weathers so queer, you ask? The fact that she embodies the personality traits so many queer people have to learn in order to defend themselves agains the constant onslaught of social ostracism and abuse. We, as queer people, learn at an early age that if you can’t fight with your fists, then fight with your tongue. Gale Weathers (and other fictional characters like her) is the personification of that mantra. So yes, Wes Craven’s Scream is the queer slasher film you never knew you wanted.


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@TrevellAnderson;; Out Magazine


Film:
The Watermelon Woman (1996, Cheryl Dunye)

There’s something revolutionary about the idea of reclaiming and asserting one’s history, and that’s exactly what Cheryl Dunye set out to do with The Watermelon Woman, which she wrote, directed, edited and starred in. Known as the first feature film directed by a Black lesbian, the 1996 romantic comedy-drama tells a story hardly ever told. About a young Black lesbian (Dunye) who works at a video store during the day and wants to make a film about 1930s Black actresses who were forced to play mammies, sometimes uncredited, the film explores the diffculties in navigating archival sources that erase and ignore the legacies of Black queer women in Hollywood. The Watermelon Woman is a perfect example of Dunye’s unique “Dunyementary” style, wherein she blends narrative and documentary techniques (with a major assist in this film from director of photography Zoë Leonard). It’s a piece of queer cinematic history that deserves all of the praise.




@woahitsjuanito;; Miami New Times


Film:
End of Evangelion (1997, Hideaki Anno)

The first time I saw Shinji Ikari, I hated him. I hated him because he cried. I hated him because he never knew what he wanted. I hated him because he wasn’t active enough a participant in his own life. I realized years later I hated him because I was him. In creating Neon Genesis Evangelion, Hideaki Anno made an incredibly ambitious show fueled by sheer emotional instability, one that he’d expand and further queer with the masterpiece that is End of Evangelion (which works as either an alternate ending to the series or a continuation of Shinji’s cyclical narrative, depending on interpretation).

Here was a film that took all of the self-loathing, codependency and anxiety from the series and blew it up, having Shinji face everything from his need for physical and emotional affection from men and women alike to the literal end of the world as he knows it, complete with a departure from traditional animation into live-action, bridged together by experimentation in the vein of Stan Brakhage. End of Evangelion works best as a queer horror film, its imagery laden with sex and death, manifestations of desire being skewed by body horror and outright annihilation. What little optimism exists in its frames is short-lived, more interested in reflecting the way its protagonist’s fractured reality—triggered by a war between the beliefs that were imposed upon him with the facts that life has thrown at him—and creating an imaginative realm with which to explore his insatiable need to be both alone and not.




@trishbendix;; The New York Times, them., Tidal, Bustle


Films:
All Over Me (1997, Alex Sichel); Fucking Åmål (Show Me Love) (1998, Lukas Moodysson)

I put these two together because they are that way in my heart: both gritty indies about awkward tomboyish teenage lesbians falling in love with their effortlessly beautiful blonde best friend. The angst of the ’90s is so palpable in every facet of these films—one set in Hell’s Kitchen, the other in Åmål, Sweden—not just in the writing and performances from young, vulnerable newcomers but the soundtracks (riot grrrl and queer folk punk like Ani DiFranco, Sleater-Kinney, Babes in Toyland, Helium in All Over Me, and Robyn’s first big pop hit “Show Me Love” in Fucking Åmål, which was adopted for the American title). Both films expertly conveyed the ache of first love and discovery of sexuality without forcing the traditional tortured “coming out” narrative. The kinds of complicated female friendships turned sexual and romantic are a pinnacle of lesbianism, for better or for worse, and these two films captured that tension.




@KristyPuchko;; Pajiba


Film:
Velvet Goldmine (1998, Todd Haynes)

When I first saw Velvet Goldmine, teen-me was utterly gobsmacked. I didn’t clock that its central queer love triangle was a fantastical re-imagining of the rumors of rock stars David Bowie, Lou Reed and Iggy Pop. I didn’t realize that Haynes had snatched the plot structure of Citizen Kane to unfurl his own tale of ambition gone awry and love lost. I didn’t know what to make of the suggestion that Oscar Wilde wasn’t just gay, but also an extraterrestrial. I was agog at the boldness, glam rock, gender-bending fashion and sex appeal so thick you could practically smell the sweat and lip-gloss. As a baby-bi, I was excited by the sights and the sounds, but not yet ready to confront how deeply I was connecting to the story of a gay teen finding his identity by swooning over rock stars.

Watching it decades later as an adult and out bisexual, I still revel over its allusions, subversions, sex appeal, spectacle, killer songs, as well as soul-quaking performances from Toni Collette, Jonathan Rhys Meyers, and Ewan McGregor. But I was stunned by how teen-me had missed the point of this movie I’d long loved. It was never really about the rock stars. Velvet Goldmine was about how their story framed the coming out of an average gay teen, played by a wide-eyed and beaming Christian Bale. At its core, Hayne’s glitter-flecked drama is about the confusion, fear, excitement and ultimate liberation of coming out, complete with all the celebratory glitter such an accomplishment deserves.




@_jarking;; AwardsWatch


Film;
Get Real (1998, Simon Shore)

There are few films which so accurately capture the idiosyncrasies of growing up queer in the south of England—perhaps because, for sure, it’s a boring (and specific) setting. But there is Get Real. Not to evoke one of those rancid Twitter memes, but here, the cinematic parallels to my life are omnipresent: the homoerotic banter of the hyper-macho football lads, the facile teachers, the unattainable muses. Shore’s depiction of Little England is one which, for me, quite literally hits close to home. You see, Get Real was shot, and ostensibly based, in Basingstoke, a suburban-come-rural town some 20 miles from my home city of Winchester.

There’s one key difference: For the venemously witty Steven (Ben Silverstone), the twinky protagonist of Get Real, his muse becomes attainable. This is the athletic, archetypal and masculine-yet-sensitive-but-very-fucking-confused John (Brad Gorton). He’s manifestly presented as the ideal, with his bulging muscles, “head boy” badges (as Steven says, “I wish it was an invitation”) and latent sensitivity. It should be very intimidating: After all, there’s nothing that scares gay men more than beautiful male bodies. But it was through John, at least partially, that I could reconcile my outward masculinity to my inward queerness. That, quite naturally, bred a much needed sense of belonging. John’s story is tragic: He isn’t able to reconcile it all. He doesn’t come out. But you know he’d be fine if he did; and that’s partially what hurts, for sure, but it’s also what resonates. Seeing Get Real made me, well, get real.


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@carolaverygrant;; Motherboard, IndieWire


Film:
Adolescence of Utena (1999, Kunihiko Ikuhara)

What does it mean to be a queer body existing in a heteronormative space? Nearly every queer film asks this question at some point, but few are about demolishing the heteronormative ideal as explicitly and as proudly as Adolescence of Utena, legendary anime director Kunihiko Ikuhara’s queer magnum opus. A drastically different retelling of Ikuhara’s television program Revolutionary Girl Utena, Adolescence follows Utena Tenjou as she duels the entire Ohtori Academy Student Council in order to gain ownership of the Rose Bride, Anthy Himemiya. But where Revolutionary Girl followed Utena and Anthy’s attempts at actualizing as their full, queer selves within the constraints of the heterosexual environment they’ve been forced into, Adolescence ends with them moving past the bounds of cisheteronormative power structures, complete with astounding body transformations, deeply sensual imagery, gleeful absurdism and Ikuhara’s signature meta-toying with the structures of Japanese animation. Utena and Anthy don’t just break free from the normative standard, but from the film itself, and the result is one of the most joyfully indescribable queer masterpieces of all time.




@tymitchellxo;; The New Inquiry


Film:
All About My Mother (1999, Pedro Almodóvar)

Perhaps a queer film is about diva worship. Perhaps it’s about sapphic divas. Perhaps it’s about trans women. Perhaps it’s about a queer director, and that’s all it takes. Perhaps it’s about sensitive boys who die young. Perhaps it’s about hustlers and hookers who bandage each other’s wounds. Perhaps it’s about surviving sickness, especially when it’s not your own. Perhaps it’s about AIDS. Perhaps it’s about running away, and running back, and away again. Perhaps it’s about the spotlight. Perhaps it’s about the dressing room. For me, I believe any great queer film must be, at its damp and velvet core, about my mother.




@pilotviruet); TV Guide


Film:
But I’m A Cheerleader (1999, Jaime Babbit)

I have a memory of secretly watching But I’m A Cheerleader on my computer, quietly crying in the middle of the night. There’s a scene in which Graham (Clea DuVall) and Megan (Natasha Lyonne) have sex for the first time: “I’ve never felt this way before,” Megan tells her, “Except for when I was cheerleading.” Of course it’d eventually become obvious why I felt so overwhelmed but, at the time and with no blueprint for queerness, my totally rational response was to join my school’s cheerleading squad. What I’ve always loved about But I’m A Cheerleader, besides every single thing DuVall does, is the way it found humor in something horrible (and how it emphasized the darkness through bright, garish hues), a trusted defense mechanism. But I was also obsessed with how comfortable Graham felt in her gayness, a concept that both seemed utterly foreign to me and gave me something to strive for. I kept returning to the movie, looking for clues to explain why I was so drawn to it; to be honest, I didn’t even register how important it was to both my queerness and gender identity until I was an adult and read this beautiful essay by Brad Nelson. Eventually, I did get it—and also learned that I was, without a doubt, a horrible cheerleader.


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@nico_lang;; NewNowNext


Film:
Y Tu Mamá Tambien (2001, Alfonso Cuarón)

I saw Y Tu Mamá Tambien with my mother. I was a freshman in high school dressed in Goodwill clothes, and an older classmate with cool girl bangs recommended it to me. She had seen it at the one theater for arthouse films in downtown Cincinnati, frequented by college students and other strangers who aspire to casually use mise en scene in a sentence. Because I was 14 and young for my age, I asked my mother to rent it for me from the video store where she worked. She had never heard of it before; her tastes skewed toward Meg Ryan and Julia Roberts.

To approach a film like Y Tu Mamá Tambien—a Mexican neorealist sex romp turned existential travelogue—through the lens of memoir might seem a paltry response to its brilliance, but one’s favorite queer film is a reckoning with time. It is dependent upon where we were in our lives when we happened upon Parting Glances or Go Fish, what we brought to the experience with us.

My own bisexuality was just on the tip of my tongue the day I put the VHS in our combination VCR/DVD player. I had only been presented with two options: fishing and hunting with my stepfather or Will and Grace, a show I still love deeply. But there was never a sense that my own queerness could be mapped out for myself, that I could be a different kind of queer person than the handful of options I had presented. It was just more hand-me-down clothes that didn’t quite fit.

Like Alfonso Cuaron’s later Roma, Y Tu Mamá Tambien is a film about many things. It examines political and class divides in Mexico at the turn of a new millennium. It’s an incisive look at the aggressive posturing of teenage masculinity, in which young men objectify the women around them as a thinly veiled mask that obscures how utterly terrified they are of them. But even more than that, Cuaron’s first masterpiece is about two best friends fumbling their way out of the tunnel of late adolescence, momentarily finding each other’s bodies in the darkness.

The plot is simple enough: Tenoch (Diego Luna) and Julio (Gael Garcia Bernal) meet an older Spanish woman, Luisa (Maribel Verdú), at a wedding. Undeterred by the fact that she is Tenoch’s cousin’s wife, they invite her to a secluded beach they call “Heaven’s Mouth,” one they made up just to impress her. To their surprise—and ours—she accepts. Luisa has cancer and is looking for somewhere to die. The journey to their nonexistent paradise becomes a tangle of confused feelings and buried sexual longing, one eventually culminating in the film’s literal climax: a threesome between Tenoch, Julio and Luisa. The longtime friends share a long kiss just as the image fades to black.

Tenoch and Julio aren’t gay, and they end the film still identifying as straight men, but many of the best queer films aren’t explicitly queer. Instead they teach us something about ourselves and our own desires. For me, it was a glimpse at the freedom to make mistakes as we try to become the people we will be.




@georgeciveris;; Columbia Journalism Review, stand-up comedian


Film:
The Dreamers (2003, Bernardo Bertolucci)

When I was 13, I walked to the video store a block from my family’s apartment and spotted an orange-tinted DVD cover featuring three hot people (two men and one woman) looking horny, naked and bored. A matter-of-fact critical blurb seemingly unconcerned with its subject’s artistic merit simply read, “A steamy, erotic thriller.” The steamy film in question was Bernardo Bertolucci’s The Dreamers. Much like the dreamier of its two male leads, the version I rented was uncut. At one point in the film, one of the men slits a banana vertically in half by plunging his finger into its head. In another shot, the woman appears in nothing but a white bedsheet balanced on her waist and black evening gloves, resembling the Venus de Milo (a note: being attracted to men is gay, but being attracted to Eva Green is queer). One of the men is American and the other one is French, as is the woman, who is his sister. They all take a bath together. The French woman removes the American man’s underwear, revealing a small photograph tucked underneath his half-erect penis. Earlier (or later, I can’t remember) he masturbates in front of a poster of Marlene Dietrich, who comes to life, takes a drag of her cigarette, looks me right in the eyes, and says, “Honey, you’re a faggot.”


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@jshawhan;; Out and About Nashville


Film:
Tropical Malady (2004, Apichatpong Weerasethakul)

With its bifurcate structure, this film presents that quintessential emotional tangle as both the internal (youngish love, the mesh of another’s musics, idyllic pursuits, the occasional organic ritual of folklore) and the external (siege mentality, the ultimate unknowability of another, the perpetual lurk of isolation). It’s a queer work of art by one of the greatest living directors, and it resonates continuously in the viewer. It’s a more versatile Gerry, to name another beloved queer film by another queer director, and though it doesn’t fill the vessel of personal experience as viscerally as The Master or To The Wonder, to name two deeply queer films made by straight people, there is a magic in Tropical Malady that I wish for everyone.

Honorable mentions: Urbania, The Servant, Score, Freeway II: Confessions of a Trickbaby, Women in Love, Grace Jones: A One Man Show, Taxi Zum Klo, Addams Family Values




@JimFarmer3;; Georgia Voice, Out On Film


Film:
Mysterious Skin (2004, Gregg Araki)

Gregg Araki’s Mysterious Skin—based on the novel by Scott Heim—is my absolute favorite LGBT-themed film. A never-better Joseph Gordon-Levitt stars as a hustler whose life eventually crisscrosses with a young man (Brady Corbet) who he first met as a boy. The performances are exemplary, with supporting turns by Elisabeth Shue and Mary Lynn Rajskub. The first time I saw this I literally almost lost my breath; it’s emotionally devastating at times. Yet despite its grim subject matter—sexual abuse—it’s a lyrical and hopeful film, one about the connections we form with others, intentionally and unintentionally.




@josesolismayen;; The New York Times


Film:
Undertow (Contracorriente) (2009, Javier Fuentes-León)

I first watched Javier Fuentes-León’s Undertow in the aftermath of an intense, but short-lived, romance. He was an American doing humanitarian work in the Third World, I was from the Third World and at age 24 it seemed like I’d never live anywhere else. When he left, my heart left me. It was the last time I cried. So watching the forbidden affair between a small town, married, fisherman (Cristian Mercado) and the light-skinned painter Santiago (Manolo Cardona) visiting from the capital hit a bit too close to home.

Sensually shot by Mauricio Vidal, who captured the beauty and danger of the sea, and sensitively acted by Mercado and Cardona (Ledger and Gyllenhaal who?), Undertow showed me that sometimes films can provide the answers your soul is seeking. Fuentes-León captures the intense pain of lost love, while highlighting the importance of community. I don’t know if Undertow is necessarily my “favorite” queer film (that title would probably go to The Wizard of Oz, which I can recite from beginning to end) but it’s certainly the one that’s haunted me the most. Unlike the man who got away, Undertow lives within me.




@wjmcentee;; The Brooklyn Rail


Film:
Beginners (2010, Mike Mills)

No widower has rejoiced as gleefully as Hal Fields. Not that his wife’s passing was any reason to celebrate, but it (macabrely, humorously) offered him a few, remaining months to embrace his queerness and become a jubilant fixture in LA’s vibrant community of middle-aged and older gay men. As Hal, Christopher Plummer’s dive into the dating scene, attempts to understand house music and coming out to his son—in a purple sweater!—is utterly delightful. The film is a quiet testament to second chances, acceptance and unbridled joie de vivre, even as Hal’s heath wanes. Beguiling without becoming too twee, the film also has one of the best meet-cute scenes in recent memory, with Ewan McGregor and Mélanie Laurent connecting at a Halloween party over a dog, a therapist couch and laryngitis.


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@benfraserlee;; The Guardian


Film:
Weekend (2011, Andrew Haigh)

Given the relative scarcity of gay content in my youth, I became accustomed to settling for very little. A homoerotic overtone, a mournful glance, a grotesquely exaggerated stereotype—all felt like something yet also nothing, a cruel tease of representation that was still far out of reach. But then in 2011, I sat down to watch Weekend in a busy London cinema surrounded by other gay men and found myself somewhat overwhelmed by the time it was over.

While I’d spent a large portion of my life desiring any form of multimedia gayness, my youthful curiosity had admittedly swayed toward more carnal gratification. Watching Andrew Haigh’s lo-fi drama, I realized that, above all else, I was really craving the chance to experience big screen same-sex romance. His naturalistic, impeccably acted film about two men sharing a first, and probably last, weekend together is a woozy, hair-raising mosaic of intimate moments, relatable to anyone experiencing that initial rush yet, more importantly, it was relatable to a gay man like me. It might not seem as defiantly queer as many films on this list, but in portraying gay love in an unfiltered, unabashedly tender light, it remains quietly radical nonetheless.




@cinemabite;; The AV Club, HuffPost, TV Guide


Film:
Tomboy (2011, Céline Sciamma)

Some of my most vivid childhood memories are tethered by a sequence of emotions: complete freedom followed by immense shame. No film has captured that experience as palpably as Tomboy. Céline Sciamma’s tender look at a child’s exploration of gender identity follows Mikael/Laure (Zoé Héran), a French 10-year-old assigned female at birth who introduces himself as a boy after moving to a new Paris suburb. Mikael spends his summer playing soccer with the neighborhood boys, slowly taking his shirt off as he shyly enters the game. He proudly surveys his new short haircut in the mirror, crafting a mustache out of the trimmings.

The first time I watched Tomboy I was early into my transition as a trans adult, and I cried thinking back to my younger self. I felt that same elation and freedom on the days I ran around my Southern California cul-de-sac as a kid, playing shirtless alongside my brother, and again when one day I took a pair of scissors to my long hair and chopped it off. But similar to Mikael’s experience, my actions were eventually met with reproach from a mother embarrassed to see her child dressing and behaving like a boy.

Sciamma’s film isn’t a perfect trans or gender nonconforming narrative—the ending suggests Mikael’s (who now goes by Laure again) gender exploration was just a phase, and as a cis filmmaker, Sciamma can only uncover so much about the experience of growing up as a gender nonconforming kid. Still, it’s a film that intimately gets what was going through my head as I stood in the mirror and smiled, looking at the kid with jagged short hair who looked a little bit more like me.




@renjender;; The Village Voice


Film:
Concussion (2013, Stacie Passon)

“Not the Will Smith movie,” I explain when telling people about writer-director Stacie Passon‘s debut (which premiered at Sundance in 2013). Ironic, considering the main character Abby (a spectacular Robin Weigert, the therapist in Big Little Lies) throughout this film so clearly gives no fucks about any man. Abby’s a stay-at-home mom married to another woman, a sexually indifferent divorce lawyer, in wealthy, suburban New Jersey. When Abby’s son accidentally hits her in the face with a baseball, Abby calls him a “little shit,” and decides to go back to work in an unrealistically white New York City, renovating and then flipping a loft. As the loft becomes more presentable, Abby, after a couple of encounters with sex workers, becomes one herself, inviting women into the loft’s big bed.

Passon lived with her wife in the suburb and house where much of Concussion takes place. After her son hit her with a baseball, Passon didn’t become a sex worker, but did start writing this film. Concussion’s satire is full of insider detail, like the way the housewives obsessively exercise (in slow motion, with Bowie’s “Oh You Pretty Things” synched to their yoga poses and spin classes) and fixate on interior design (the wrong wall tile interrupts a sexual encounter), but Weigert’s Abby, whether in the city, wearing her CBGB shirt and a smirk of disbelief, or in suburbia freaking out her straight writer-friend with the taboo dreams she’s had about motherhood, has a lived-in sexiness that makes this film a classic.




@roughschrade;; Slate


Film:
First Period (2013, Charlie Vaughn)

A low-budget, gay, high school romp, this cheap and tacky film captures all the most playful aspects of camp. Writer and star Brandon Alexander III fills the movie with life, playing new girl at school Cassie Glenn, who is determined to ascend the ranks of popularity. The jokes are unceasing, the acting slides between brilliant and dreadful with ease, and it’s clear everybody involved had the best time making it. It’s the first thing I suggest whenever we’re having a movie night.


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@ZacharySire;; Vice, Str8UpGayPorn


Film:
Under the Skin (2013, Jonathan Glazer)

In recent years, Scarlett Johansson has come under fire for playing characters of different ethnicities and gender identities than her own, but I’ve never felt more connected to the character she played in 2013’s Under the Skin: An alien masquerading as a Scottish woman who uses her perceived sexuality to lure horny young men into an alternate reality where they are killed and their bodies are harvested to fuel an extraterrestrial universe, or something. To be clear, it’s not the sex (or the murder!) that makes Under the Skin a queer masterpiece, it’s what happens in the movie’s third act—when Johansson’s alien character begins to see itself as human—that makes it so relevant for anyone who’s ever struggled to assimilate in a society to which they’ll never belong. As the alien abandons its deadly mission in favor of attempting to live a mundane human life, carrying out basic human routines and forming basic human relationships, it eventually faces a tragic demise while realizing that it will never fit in. I’m not saying that growing up as a closeted gay boy in Orange County, California in the 1980s is the same thing as an alien trying to live as a woman in modern day Scotland, but Under the Skin is an artful (the score, sound, cinematography are gorgeous) and horrifying cinematic reminder of the devastating consequences one might face while pretending to be something they are not.




@willow_catelyn;; MUBI


Film:
Under the Skin (2013, Jonathan Glazer)

An explicit transgender cinema does not exist. Historically we have had little to no control over the images of us that were presented in movies. To this day, there is still very little in the way of literal representation of transgender people on screen. It is essential to take transgender cinema and make it our own, as specific as a personal gender identity itself. For me, Jonathan Glazer’s, Under the Skin is the closest I have come to seeing a cinematic interpretation of how I process gender and sexuality. On the surface this movie isn’t about transness at all, but predator-prey dynamics and black widow spider mentality as science fiction, until those roles reverse in an empathetic twist that ends in violence. But it isn’t that simple. How the creature, played by Scarlet Johannson, who has taken on the form of an attractive woman, attempts to understand her new gender and her new body is directly synonymous with trans femininity. It doesn’t matter whether or not this was intentional, because transgender women have reclaimed the movie as theirs. The cinema of transgender people must operate in this fashion, because if it didn’t, we would have no stories, because Hollywood has only ever been interested in corpses, fools and monsters.




@jourdayen;; Bitch Media


Film:
Bessie (2015, Dee Rees)

Dee Rees’s melancholic erotic imprint is visible on all of her films, from the lesbian coming-of-age drama Pariah to her most mainstream feature, the Southern Gothic drama Mudbound. Her sophomore feature Bessie combines the queerness of her first feature with the sweaty Southern emotional desperation of her third. The Bessie Smith (Queen Latifah) we see at her most passionate is surrounded by women, whether it be her lover Lucille (Tika Sumpter) or her mentor Ma Rainey (Mo’Nique). Rees depicts Rainey’s relationship with Smith as a queer mentorship; Rainey teaches Smith how to be bravely perform her sexuality on and off the stage. One scene shows Rainey dressed in a suit and top hat covertly hitting on Smith. Once she is rebuffed, Rainey takes to the stage and reveals herself, effortlessly switching between the fast-talking man and the woman he’s done wrong. Bessie captures queer relationships with black women while also depicting the different ways black queer women can perform their gender and sexuality. Rainey is the stud, Lucille the femme—Smith fluctuates between both, often angsting over which one she should be. Bessie has all the trappings of a biopic with the rhythms of fascinatingly bittersweet queer journey.




@katienconnell;; Another Gaze


Film: Mommy (2015, Xavier Dolan)

Xavier Dolan’s Mommy is a near-Baroque contemporary drama laced with dystopianism and soundtracked by late-’90s/early 2000s pop-rock hits. It’s also Dolan’s film with the most conceptual mileage. Set in St. Hubert, Québec, Mommy centres widowed single mother Diane Després (“Die” for short—played by Anne Dorval) and her sometimes violent teenage son Steve (Antoine-Olivier Pilon) who has come home from a recent stay at a state funded hospital in which he violently injured another boy. In her struggle to manage Steve’s aggression, loss and loneliness, Diane seeks out help from their neighbour Kyla (Suzanne Clement), a quiet, preppy math teacher in a drained-of-life heterosexual marriage who Diane watches from her basement window. As they work together to care for Steve, Diane and Kyla become a pseudo-couple and their mutual desire simmers under the surface.

It’s moving to see all three characters grow through their precariously stitched-together kinship, and though it’s heartbreaking when the family fantasy falls apart, this resonates with the social impositions that often prevent queer love from being realized. While I think Dolan intends us to think about parents and their children, the ambiguities between Diane and Kyla have lingered for me with far greater intensity over the years. Ironically, Mommy is Dolan’s film that gives the least explicit attention to LGBTQ characters or issues. But it’s in the ways director and performers implicitly connect ideas and feelings about desire, power, class, and family that Mommy becomes Dolan’s most transgressive and nuanced queer film to date. Some genuinely exciting camerawork, stylish costumes and an unforgettable lip sync to Céline Dion’s “On ne change pas” also make Mommy worthwhile.


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@helenafleabody;; them.


Film:
The Duke of Burgundy (2015, Peter Strickland)

Everything I know about cinema, I learned from queer pictures and their lash-batting to earlier, straighter-laced movies. That my film studies education is as inverted as I am was once a source of much unpleasant self-flagellation: Why couldn’t I have learned sensibly and chronologically, like a proper critic? Citizen Kane before, not after, Velvet Goldmine;; The Beguiled (1971) before The Misandrists. I’ve since accepted this fate as a sensibility and an asset: I love it when an art film—say Carol, The Heiresses or Knife+Heart—satisfies my hankerings for a risque queer world apart, and then blesses me with a series of referenced films to see after the credit cascade.

In the case of The Duke of Burgundy, I was blessed with a whole new genre: giallo. Peter Strickland’s third feature is set in a world void of men and ripe with mannequins and kaleidoscopic sequences. At once period and contemporary, two entomologists, Cynthia (Sidse Babett Knudsen) and Evelyn (Chiara D’Anna), conduct a regimented sadomasochistic relationship in the privacy of their tellingly tidy villa. Gradually, the performativity unravels and we realize that power is wielded by an unexpected party. While it’s not a film for those desiring blunt-force romance and sweet nothings, The Duke of Burgundy does nail the miscommunications and erotic frustrations that occur in relationships—both vanilla and spiced—between women. The same goes for its Jesús Franco homage.




@YesItsAlistair;; Film Inquiry


Film:
The Duke of Burgundy (2015, Peter Strickland)

As Hollywood’s representation of LGBT relationships frequently go out of their way to appear heteronormative to appease the conservative mainstream, it’s only a slight surprise that the most emotionally rewarding recent depiction of queer relationship dynamics can be found in a homage to the European softcore porn of the ’70s. Peter Strickland’s The Duke of Burgundy may be riffing on the exploitation films of Jess Franco via the tortured chamber drama of Fassbinder’s The Bitter Tears of Petra Von Kant, but it’s no arthouse exercise in refining the trash of the past through the lens of something altogether more respectable.

It’s the rare example of a very specific genre homage that firmly grounds its fantasy world in something more emotionally tangible: a kinky throwback on the surface that couldn’t feel further removed from an artificial construct when examining the very concept of fetish, and how this can affect the balance in a relationship when this desire isn’t shared. Prior to the film’s release, Strickland stated in interviews that he didn’t want to reveal his own sexuality, simply because that ambiguity could lead to his film being read in two different ways. But there’s no overbearing male gaze to his film in the way his comment implies there could be if read in a certain light—it’s an unmistakable work that, beneath the human toilets and boot polishing, finds something heartfelt and profound to say about modern queer relationships.




@RichJuz;; Jezebel, Slate


Film:
The Duke of Burgundy (2015, Peter Strickland)

By venerating labels and exposing their shortcomings, Peter Strickland’s The Duke of Burgundy cultivates a thoroughly modern fluidity despite its ambiguous setting of somewhere in Europe at some point in time. The sexual dynamic of principals Cynthia (a world-weary Sidse Babett Knudsen) and Evelyn (a batty Chiara D’Anna) initially seems clear—the former the top, the latter the bottom. But soon, it’s clearly opaque as we find out that Evelyn’s actually directing things, bottoming with such force that she’s actually topping. But the screw turns some more and suggests that in bottoming through topping, Cynthia’s submission is the real driving force, thus rendering her a dom top who sub tops. The layers are endless, just like in life. Alternately absurd and desperately sad in its depiction of what people will do to hold onto love, The Duke of Burgundy marries high cinema sensibilities (Buñuel and Fassbinder are both clear influences) with Eurosleaze (the dreamy atmosphere and lurid sex are ripped out of the book of Jess Franco). The result is a movie that is at once trashy and profound, a perfect metaphorical depiction of great gay sex.


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@plentyofalcoves;; StrucciMovies


Film:
Pee-wee’s Big Holiday (2016, John Lee)

The first time I saw this film it was such a pleasant surprise! I’m not concerned with palatability of queer representation in art, but I still enjoy accessible and less sexualized representations and wish I had more access to them when I was young. But certain silly and unpretentious renditions of queer romance in films intended for children and families have fallen short and read as saccharine to me, or have read as so polished and wholesome as to be totally alien to my own experience. To see a film that is sweet, charming and whimsical, and for it to be truly bizarre and singular with so many formal experiments and gags that are so weird or so drawn out they could read as off-putting to an unprepared viewer (the alien! the balloon gag!), and for the driving narrative pull to revolve around a crush between two men, was and continues to be a delight.




@gabebergado;; Teen Vogue


Film:
Other People (2016, Chris Kelly)

Chris Kelly has gotten a lot of buzz this past year for the hilarious Comedy Central series The Other Two and his 2016 film Other People is also a fantastic piece. David (Jesse Plemons) navigates various forms of queer trauma, including a breakup and his father’s refusal to accept his sexuality. But at the center of the movie is David taking care of his mother dying from leiomyosarcoma, played brilliantly by Molly Shannon. The movie deftly balances grief and humor (and features an iconic dance scene with Josie Totah) as David deals with his personal problems while also coming to terms with what losing his mother might mean. It’s set in Sacramento, too, so think of it as an older, gay Lady Bird.




@NielsPutman;; Filmmagie, Kortfilm.be


Film:
BPM (2017, Robin Campillo)

It’s not the loud voices of protest in Robin Campillo’s political film that echo long after the end credits grace the screen, but it’s arguably its equally radical emotional core that makes the biggest sound. BPM focuses on the ACT UP Paris movement of the early ’90s, tracking the effects of their manifestations both politically (raising awareness to a vital cause that was being neglected by the government) and emotionally (within the internal structure of the family-like group). Acting up bears chaos and adrenaline, and the filmic antidote to these energetic highs lay in the tender love story between Sean (Nahuel Pérez Biscayart) and Nathan (Arnaud Valois). Their very first sex scene is one of the most intimate and raw portrayals of lovemaking between gay men ever put on screen, and a key example of the authenticity Campillo strives for. That Sean is HIV-positive doesn’t reduce the scene’s erotic tensions, nor its romantic values; a spark of truthfulness that rings even harder when destiny strikes during the film’s tragic end and the notion of the LGBTQ+ community as “a chosen family” grows as fundamental as its upfront political context. BPM is therefore not solely a crucial addition to queer cinema and its inevitably grim AIDS chapter, but also carries an inferior statement that redounds living as a queer to something political in itself.


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@tvoti;; Vox


Film:
Hereditary (2018, Ari Aster)

Is Hereditary my favorite queer film ever made? Nah. Is it my favorite trans film ever made? Also probably nah, but there are times I think it might be. Ari Aster’s 2018 horror movie is, viewed through one light, the story of a trans guy who really committed and got the body he’d always dreamed of. Even setting that aside, it’s a movie about demonic possession, which isn’t like being trans but is like being trapped inside a body you don’t really understand or want and trying to claw your way out of it, which we can relate to. And like so many accidentally trans movies (unlike the mainstream, cis-approved Oscarbait Danish Girls of the world), Hereditary is a movie that seems to have started from a cis director muttering to himself, “Hm. Bodies are weird!” and then every trans film fan shouting, “YES THEY ARE!” and just going to town. (The trans YouTube critic May Leitz posted a terrific manifesto on the film, and journalist Sasha Geffen talked to other trans Hereditary fans.)

I had seen many movies that connected to my own transness before Hereditary, but I came out in March 2018 and Hereditary was the first movie I saw that I realized I was explicitly enjoying on some level that was solely because I was a trans person. In its meticulously constructed world and its tiny dollhouses, I recognized some part of the rigorous order I had tried to impose upon myself before the walls of my own gender started coming down. And as the movie is smashed to utter pieces in the final third, where some critics felt the film went too far into the supernatural and surreal, I saw some reflection of my own ridiculous journey. To become myself, I had to destroy something else. Hail Paimon. Hail me.




@valeriecomplex;; StyleCaster


Film:
Portrait of a Lady on Fire (2019, Céline Sciamma)

Céline Sciamma’s Portrait of a Lady on Fire is about two women who fall in love with art and one another. Under the veil of romance is also subtle commentary about societal hierarchy and how women circumvent it. While the film takes place in the 18th century there is also something modern about the characters and the way they rebel against the patriarchal pressures of womanly expectations. Portrait doesn’t go out of its way to proclaim its queerness, it just is—and that is so refreshing.




@ABaran999;; Queer/Art/Film; The Creative Resistance


Film:
I Am a Woman Now (2011, Michiel van Erp)

Michiel Van Erp’s glorious and glamorous 2011 documentary tells the story of five pioneering European trans women who were among the first to undergo gender confirmation surgery with Dr. Georges Borou in Casablanca in the 1950s. Returning to their respective countries, the five subjects became cabaret superstars, got embroiled in tabloid scandals, and wound up living uncharted lives—and aging very gracefully, very tastefully and very fabulously, which is so much fun to get a glimpse of. “Is there anything you would do differently?” one of the women asks the legendary April Ashley. “I would like to have been more rich,” she replies, sipping champagne and looking ever the picture of the grand dame she is. The greatest thing queer documentaries can do is open our eyes to the histories that so many people—both straight and gay—have gone to great lengths to hide. Van Erp’s extraordinary documentary brings April, Colette, Jean, Corinne and Bambi’s stories out of the tabloids and puts them in their rightful place as trans pioneers vital to global queer history. It’s never been released on DVD in the United States, but I hope someone eventually will. Hint, hint!

El hombre local ha completado un programa de $ 660,000 para importar drogas peligrosas de China y venderlas como suplementos, dijo el gobierno

Un hombre de Allentown importó drogas prohibidas de China y luego trabajó con dos hombres de Texas para pasarlas a sus clientes ignorantes como suplementos herbales, según una acusación federal.

La acusación del 11 de junio establece que Leandro Rodríguez de Allndown ganó más de $ 660,000 por su participación en el programa de importación de drogas entre abril de 2011 y marzo de 2017.

Su abogada Kathryn Roberts dijo que no estaba claro si Rodríguez sabía que las sustancias que ordenó estaban prohibidas en los Estados Unidos.

Según la acusación, Rodríguez importó sibutramina de China, el ingrediente activo de la droga para perder peso Meridia. La Administración de Drogas y Alimentos de los Estados Unidos prohibió la venta de Meridia en 2010 debido al riesgo de episodios cardiovasculares y accidentes cerebrovasculares, según la acusación.

Rodríguez también importó fenolftaleína, un laxante que se clasificó como inseguro en 1999 debido a los riesgos de cáncer. También importó tadalafil, el ingrediente activo del medicamento para la disfunción eréctil Cialis, según la acusación. Lilly tenía el derecho exclusivo de distribuir Cialis durante el período especificado en la acusación.

La acusación declara que Rodríguez ordenó las drogas siguiendo las instrucciones de Eric Trevino de Donna, Texas, y el cuñado de Trevino Jaime Carillo Haro de Pharr, Texas.

“Existe evidencia clara de que importó estos suplementos de China. El problema es si tenía la idea de que contenían una sustancia prohibida. Ese es el meollo del problema a medida que avanza el caso ”, dijo Roberts el viernes.

Las drogas se vendieron como suplementos herbales, a pesar de que contenían sustancias prohibidas o patentadas, dice la acusación. Trevino ha engañado repetidamente a los clientes que llamaron o enviaron preguntas por correo electrónico sobre los productos y los riesgos de tomarlos, según la acusación.

Rodríguez tenía una tienda llamada Lean on Nature que vendía las píldoras por correo, según la acusación. El negocio de Trevino, Mary’s Health and Beauty, lo vendió directamente a los consumidores y en Internet, dice la acusación. El negocio de Carillo Haro, Amigo Natural Products, los vendió por correo y en un puesto del mercado de pulgas, dice la acusación.

La acusación declara que Rodríguez ganó $ 669,279, Trevino $ 195,558 y Carillo Haro $ 473,691 del fraude.

Cada uno de los tres está acusado de una conspiración criminal. Trevino está acusado de tres cargos por introducir medicamentos de marca falsa en el comercio internacional para engañar y difundir una sustancia controlada. Carillo Haro está acusado de dos cargos por introducir medicamentos de marca falsa en el comercio internacional para engañar y propagar una sustancia controlada.

Rodríguez fue liberado el 13 de junio por una fianza no garantizada de $ 50,000 en su casa en la cuadra 900 en West Tioga Street en Allentown. Trevino fue liberado en su casa de Texas el viernes 21 de junio por una fianza no garantizada de $ 30,000. El estado de detención de Carillo Haro no figuraba en el archivo judicial en línea.

Nancy MacEoin, la abogada de Trevino, no devolvió un correo electrónico solicitando comentarios el viernes. No hay abogado o dirección para Carrilo Haro en el archivo.

Rudy Miller puede ser contactado en rmiller@lehighvalleylive.com. Siguelo en Twitter @ RudyMillerLV. Encontrar Noticias del área de Easton en Facebook.

Se espera que las farmacias minoristas dominen el mercado

Dublín, 24 de junio de 2019 (GLOBE NEWSWIRE) – Se agregó el informe «Mercado de medicamentos para la disfunción eréctil: crecimiento, tendencias y pronósticos (2019-2024)» ResearchAndMarkets.com Oferta.

Los impulsores clave para el crecimiento del mercado de medicamentos para la disfunción eréctil (DE) incluyen la creciente adopción del estilo de vida sedentario y el estrés asociado, el aumento de la población geriátrica y la comorbilidad entre la disfunción eréctil y la enfermedad cardíaca y la diabetes.

Tendencias importantes del mercado

Se espera que las farmacias minoristas dominen el mercado

Se espera que las farmacias minoristas dominen el mercado ya que los medicamentos para la disfunción eréctil están fácilmente disponibles en las tiendas minoristas. Según los datos publicados por la Consumer Healthcare Products Association, hay más de 750,000 empresas minoristas en los Estados Unidos. Tanto los consumidores rurales como los urbanos tienen acceso 24/7 a tratamientos para diversas enfermedades. Además, varios estudios muestran que la DE ocurre con el aumento de la edad y afecta a alrededor del 40% de los hombres mayores de 40 años. Debido a la fácil disponibilidad del medicamento y los casos cada vez mayores de disfunción eréctil, se espera un alto crecimiento en el mercado en comparación con el período de pronóstico.

Se espera que Norteamérica domine el mercado

Se espera que América del Norte domine el mercado de medicamentos para la disfunción eréctil debido a la creciente población geriátrica, el aumento de los casos de DE y la presencia de una mejor infraestructura de salud. Según las estadísticas de la Oficina del Censo de los Estados Unidos de 2017, el número total de personas mayores de 65 años supera los 50 millones, y entre 2020 y 2030 se espera que el número de personas mayores aumente en casi 18 millones. Aunque el total es mucho más pequeño, se espera que el número de personas de 85 años o más se triplique de un estimado de 6 millones hoy a casi 20 millones para 2060.

Se espera que el aumento en la población geriátrica aumente el número de pacientes con DE, ya que esto es muy común en hombres mayores de 40 años. Europa siguió a América del Norte en 2017. La disponibilidad de varios canales en línea de medicamentos contra la DE (OTC) son un factor clave en el dominio de estas regiones. La presencia de farmacias en línea es una bendición para varios pacientes que saben que están visitando una farmacia para comprar DE y otros productos de bienestar sexual.

Panorama competitivo

El mercado examinado es un mercado fragmentado debido a la presencia de varios participantes pequeños y grandes. Algunos de los participantes del mercado son Apricus Biosciences, Bayer, Eli Lilly and Company, Ferring Pharmaceuticals, GlaxoSmithKline, Metuchen Pharmaceuticals, Pfizer, S.K. Chemicals Co, Teva Pharmaceutical Industries y VIVUS.

Temas importantes

1. INTRODUCCIÓN

2 METODOLOGÍA DE INVESTIGACIÓN

3 RESUMEN

4 DINÁMICA DEL MERCADO
4.1 Resumen del mercado
4.2 Conductores del mercado
4.2.1 Aumento de la aceptación de un estilo de vida sedentario junto con el estrés asociado
4.2.2 Crecimiento de la población geriátrica
4.2.3 Comorbilidad entre disfunción eréctil y enfermedad cardíaca y diabetes
4.3 Restricciones de mercado
4.3.1 La renuencia de los pacientes a buscar tratamiento
4.3.2 Mal cumplimiento del paciente con la medicación para la DE
4.4 Análisis de cinco fuerzas de Porter

5 SEGMENTACIÓN DEL MERCADO
5.1 Por producto
5.1.1 Viagra (citrato de sildenafil)
5.1.2 Cialis (Tadalafil)
5.1.3 Levitra / Staxyn (Vardenafil)
5.1.4 Stendra / Spedra (Avanafil)
5.1.5 Zydena (Udenafil)
5.1.6 Vitaros (crema de alprostadil)
5.1.7 Otros
5.2 Por canal de ventas
5.2.1 Farmacias hospitalarias
5.2.2 Farmacias minoristas
5.2.3 Farmacias en línea
5.3 Geografía
5.3.1 América del Norte
5.3.1.1 EE. UU.
5.3.1.2 Canadá
5.3.1.3 México
5.3.2 Europa
5.3.2.1 Alemania
5.3.2.2 Reino Unido
5.3.2.3 Francia
5.3.2.4 Italia
5.3.2.5 España
5.3.2.6 Resto de Europa
5.3.3 Asia Pacífico
5.3.3.1 China
5.3.3.2 Japón
5.3.3.3 India
5.3.3.4 Australia
5.3.3.5 Corea del Sur
5.3.3.6 Resto de la región de Asia Pacífico
5.3.4 Oriente Medio y África
5.3.4.1 GCC
5.3.4.2 Sudáfrica
5.3.4.3 Resto del Medio Oriente y África
5.3.5 América del Sur
5.3.5.1 Brasil
5.3.5.2 Argentina
5.3.5.3 Resto de Sudamérica

6 PAISAJE COMPETITIVO
6.1 Perfiles de empresa
6.1.1 Apricus Biosciences Inc.
6.1.2 Bayer AG
6.1.3 Eli Lilly y compañía
6.1.4 Farmacéuticos Ferring
6.1.5 PLC GlaxoSmithKline
6.1.6 Metuchen Pharmaceuticals LLC
6.1.7 Pfizer Inc.
6.1.8 S.K. Chemicals Co. Ltd.
6.1.9 Teva Pharmaceutical Industries Ltd.
6.1.10 VIVUS Inc.

7 OPORTUNIDADES DE MERCADO Y TENDENCIAS FUTURAS

Puede encontrar más información sobre este informe en https://www.researchandmarkets.com/r/m7opy

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Vyleesi: Nuevo medicamento para mujeres con bajo deseo sexual recibe aprobación de la FDA

Vyleesi es solo el segundo medicamento que ha sido aprobado para mujeres con bajo deseo sexual.

Durante mucho tiempo hemos visto anuncios de medicamentos como Cialis o Viagra que ayudan a mejorar el rendimiento sexual en hombres con disfunción eréctil. Pero el viernes, la Administración de Alimentos y Medicamentos de EE. UU. Aprobó un nuevo medicamento que aumentará la libido en mujeres con bajo deseo sexual para que también puedan tener una vida sexual cómoda.

«Hay mujeres que, sin razón conocida, han reducido el deseo sexual que causa un estrés significativo y que pueden beneficiarse de un tratamiento farmacológico seguro y efectivo», dijo el Dr. Hylton V. Joffe, director del Centro de Evaluación e Investigación de Medicamentos de la FDA para Productos de Hueso, Reproducción y Urología en un comunicado de prensa.

El medicamento recetado llamado Vyleesi estará disponible para mujeres premenopáusicas con trastorno de deseo sexual hipoactivo (HSDD), una condición caracterizada por un deseo sexual crónicamente bajo o inexistente y que a menudo conduce al estrés. Aunque HSDD no se habla ampliamente, puede afectar hasta el 10% de las mujeres.

«Los médicos no tienen un método de diagnóstico y tratamiento», dijo el Dr. Sharon Parish, profesora de medicina en psiquiatría clínica en el Colegio Médico Weill Cornell, dijo a ABC News. «No se reconoce».

HSDD afecta a mujeres de todas las edades, y no hay una comprensión clara de por qué sucede esto. Lindsay, una mujer de unos treinta años que le pidió a ABC News que usara solo su primer nombre, dijo que le diagnosticaron una enfermedad a los 22 años.

«Tuve un deseo sexual muy saludable en la pubertad que se interrumpió cuando dije adiós a un antidepresivo», dijo. «Salté de un lado a otro entre varios ginecólogos, especialistas en salud femenina, tres terapeutas y un acupunturista».

Lindsay, quien participó en el estudio para Vyleesi, dijo que ahora está «tomando algún medicamento que me ha ayudado a sentirme cómoda con mi esposo, incluso si no tengo ganas de hacerlo espontáneamente. »

Vyleesi no es la primera droga que mejora los deseos sexuales de las mujeres. Addyi, un medicamento que fue aprobado por la FDA en 2015, también mejora los deseos sexuales de las mujeres al actuar como un antidepresivo. A principios de este año, sin embargo, la FDA emitió nuevas instrucciones de seguridad que requieren que la etiqueta del medicamento incluya un cuadro de advertencia, la advertencia más fuerte de la agencia, después de los informes de efectos secundarios, incluida la presión arterial alta y el desmayo, especialmente cuando se usa con alcohol.

Vyleesi ofrece una opción alternativa a Addyi. El medicamento inyectable, que debía usarse de 25 a 40 minutos antes del sexo, y que duró hasta ocho horas, mostró un aumento estadísticamente significativo en el deseo sexual en las mujeres que lo usaron durante los ensayos clínicos de fase 3. La droga estimula ciertos receptores en el cerebro que se cree que son una parte integral de la función sexual. También hubo pocos efectos secundarios: náuseas, dolor de cabeza y un ligero aumento de la presión arterial (las personas con presión arterial no controlada no deben tomarla).

Aunque un medicamento inyectable puede evitar que algunas mujeres lo usen, el Dr. Carl Spana, presidente y director ejecutivo de Palatin Pharmaceuticals, que fabrica Vyleesi, no debería ser un problema ya que la aguja es pequeña, viene como una pluma inyectable.

«Nadie en nuestros estudios dejó de usar Vyleesi porque era inyectable», dijo Spana.

Sue Goldstein, educadora clínica del sexo y autora del libro When Sex Isn’t Good, le contó a ABC News sobre su HSDD y cómo fue tratada con éxito con Addyi. También participó en la coordinación de ensayos clínicos para el medicamento. Dio la bienvenida a la nueva opción para mujeres, Vyleesi.

«Mi vida sexual ha vuelto a ser lo que era cuando tenía 25 años», dijo. “Pero tener otra opción es tan maravilloso. Conocemos a muchas mujeres que tienen «sexo obligatorio» para permanecer en una relación o que evitan el sexo porque no están interesadas. »

No hay medicamentos aprobados por la FDA para mujeres menopáusicas con HSDD. Palatin Pharmaceuticals informó a ABC News que se espera que Vyleesi esté abierto al público en septiembre, aunque la información de precios aún no está disponible.

Vanessa Cutler, M.D., es psiquiatra en el Centro Médico de la Universidad Rush y miembro de la Unidad Médica ABC News.

Raf Simons Primavera / Verano 2020 Informe de presentación de ropa masculina

R.af Simons no hizo ninguna entrevista después de su show el miércoles por la noche, y no fue una gran sorpresa después de la presentación. Un clip hablado en la banda sonora se encendió sobre «Corporate America, Fascist America» ​​a medida que se desarrollaba la colección política y aguda de Simon. Esto sucedió en un edificio similar a una nave espacial en Noisy-le-Grand, a una hora fuera de París, a las 9:30 a.m., donde los silos proporcionaron el telón de fondo para una atmósfera que se sentía como un sitio de prueba en cuarentena del gobierno en el desierto estadounidense. Todos hemos visto suficientes archivos de The X-Files para animarnos: guantes protectores, túnicas de laboratorio, botas de goma fetichistas con emoticones equivocados. Todo de Roswell.

¿Qué habría dicho Simons? La mejor suposición es después de dejar a Calvin Klein el año pasado. Su pista estaba llena de sillas de oficina en las que los huéspedes podían sentarse (ergonómicamente, para apoyar la parte inferior de la espalda), que estaban completamente envueltas en plástico grueso y negro, algunas Christo, algunas mazmorras BDSM. Se sentía como si la compañía estadounidense hubiera sido atrapada en una picota, y la colección consistía en las verduras desmoronadas arrojadas sobre ella: jeans negros desgarrados que se deshilacharon sobre una almohadilla de mezclilla blanca, una prenda hecha jirones que decía «Apolo “(Probablemente el que explotó), mochilas con colas de mapache colgando de ellas como un viaje de supervivencia distópico, y forro de abrigos usados ​​como abrigos como si no quedaran abrigos en esta imagen apocalíptica.

Si la Agente Scully hubiera estado en la Semana de la Moda (y de todos modos, Gillian Anderson, ¿podemos hacerlo?), Habría levantado una ceja escéptica. Sobre todo, el espectáculo se sintió en contra del establecimiento, como una especie de punk, visto a través de la lente techno flagrante de Simons, quien sin duda dejará que sus fanáticos se enrollen sus pantalones cortos debajo de sus túnicas en muy poco tiempo; Todo el maquillaje se puede combinar con uno de estos forros de piel Toile-Y. Estaban adornados con muestras de tela muy significativas que estaban unidas al bolsillo del pecho, un detalle que gritaba al frío, la fabricación corporativa y el consumismo que Simons puede asociar con la América en la que trabajó durante dos años. También tocó This Is Not America, la canción que usó para todos sus shows de Calvin Klein.

A menudo, toda la producción no pudo evitar evocar asociaciones con el mito del falso alunizaje, la teoría de la conspiración definitiva contra el gobierno, de que Neil Armstrongs recibió un pequeño paso por el hombre de Stanley Kubrick en una zona desierta. Y al igual que los millennials o los creyentes de Y2K que compraron tomates enlatados para el Armagedón de Año Nuevo y que se preparaban para mudarse al desierto en 1999, esta colección tiene los vestidos de culto de Simons con todos los esotéricos de Simons. Los eslóganes elaboraron aún más: «Mi propio Amberes privado» (en lugar de «Idaho»), «Piedra (d) América», «RS-LAB», por nombrar solo algunos, eso es lo que exige el uniforme del club.

«Sé por qué alguien quiere mis zapatos viejos, obviamente se masturban con ellos».

Querido Dan: Soy una mujer heterosexual de unos 40 años y madre soltera. No he conocido a nadie en años. Si bien extraño las citas, el mayor problema en este momento es que mi deseo sexual está fuera de las listas. Mientras que ver porno y masturbarme después de que mi hijo se duerma ayuda, realmente quiero que me folle un chico que sabe lo que está haciendo. Probablemente podría ir a un bar o Tinder y encontrar un hombre para una aventura de una noche, pero dudo en hacerlo. Para complementar mi complicada historia de fondo, tengo antecedentes de abuso sexual infantil y solo he tenido dos parejas en mi vida, una de las cuales fue abusiva. Mis incursiones sexuales anteriores no fueron particularmente satisfactorias, debido en parte a mi falta de experiencia y comodidad, lo que indica lo que me gusta / no me gusta, y cierta disociación durante el acto real. Siempre pienso que sería más fácil encontrar una trabajadora sexual que «se rasque la picazón» porque una trabajadora sexual masculina probablemente sería más abierta, positiva para el sexo y con más experiencia. Pero no tengo idea de cómo proceder o cómo es el procedimiento o la etiqueta. Y me temo que podría ser arrestado por publicidad ilegal en mi conservador estado sureño. Tener problemas podría tener un impacto devastador en mi vida y definitivamente perdería mi trabajo. Intento sopesar los pros y los contras, pero me siento abrumado. ¿Algún consejo para una chica que quiere ser follada pero no está segura de cómo hacerlo en una habitación segura?

Madre Soltera Absolutamente Estúpida Cachonda

Estimado SMASH: «En el pasado reciente, la respuesta habría sido» Google «, dijo John Oh, un trabajador sexual masculino para mujeres con sede en Sydney. «Pero en un mundo posterior a SESTA / FOSTA, esta ruta ahora no es confiable, especialmente en los Estados Unidos, donde la publicidad en línea es mucho más difícil».

SESTA / FOSTA – la ley «Dejar de habilitar a los traficantes de sexo / Ley contra el comercio sexual en línea» – es una ley de 2018, que según los partidarios (los partidarios mintieron) fue redactada para combatir el comercio sexual. Se convirtió en un delito que las plataformas web permitieran, a sabiendas o sin saberlo, que alguien publique un anuncio de sexo. La ley es tan vaga que plataformas como Craigslist, Tumblr y Facebook eliminan contenido sexualmente explícito para evitar que las trabajadoras sexuales estén en línea. Los partidarios de SESTA / FOSTA afirman que quieren proteger a las mujeres, y solo a las mujeres, pero en realidad las trabajadoras sexuales han impulsado las áreas en línea (donde pueden consultar a los clientes de manera más efectiva, compartir consejos de seguridad entre ellos y organizarse políticamente), haciendo que el trabajo sexual sea cada vez más peligroso , no menos, y ha llevado a más tráfico sexual, no menos.

Pero una plataforma, una plataforma muy denunciada pero aún popular, desafía la tendencia contra las trabajadoras sexuales / contra el contenido sexualmente explícito.

«Twitter sigue siendo (en su mayoría) un lugar seguro para las personas que ejercen el trabajo sexual, y nunca he oído hablar de las agencias de aplicación de la ley que lo usen para atrapar clientes potenciales», dijo John. “Así que creo que es un lugar bastante seguro para investigar a los trabajadores sexuales masculinos de forma anónima. Muchos de nosotros anunciamos allí. «

Como nadie sabe cuánto tiempo Twitter permitirá que las trabajadoras sexuales utilicen su plataforma, debería comenzar a buscar ahora, SMASH. Y aunque el trabajo sexual es trabajo y muchas personas lo eligen libremente, no todos son buenos en su trabajo. Dado que su experiencia con el sexo no remunerado no fue tan buena, le pedí a John algunos consejos sobre cómo aumentar sus posibilidades de encontrar un trabajador sexual masculino calificado.

«Desafortunadamente, en lugares donde el trabajo sexual es punible, es más difícil encontrar un trabajador sexual masculino adecuado», dijo John, «especialmente para alguien que necesita atención especial debido a un trauma. Supongo que es para SMASH No sería práctico viajar a un lugar donde el trabajo sexual no sea punible, pero esta podría ser una opción para otros «.

«Si no es realista viajar a Australia, donde vive John y donde ha estado haciendo trabajo sexual durante nueve años (legal porque el trabajo sexual está despenalizado en su estado de Nueva Gales del Sur y legalizado en gran parte del resto de Australia), John no es realista para sugerir para chatear con trabajadoras sexuales cerca de usted, pero al menos no inicialmente con los hombres.

«Su mejor opción podría ser hablar con las trabajadoras sexuales en Twitter y pedirles una recomendación», dijo John. “Esto tiene dos ventajas: la primera es que las trabajadoras tienen conocimiento local en su área general. La segunda es que las trabajadoras son generalmente muy cautelosas cuando se trata de ayudar a los trabajadores varones. Entonces, si algunos trabajadores sugieren un trabajador sexual masculino, existe una alta posibilidad de que sea seguro, capaz y profesional. Pero si SMASH sigue este camino, sería cortés darles una propina a los trabajadores que la están ayudando; de lo contrario, significaría pedir trabajo no remunerado. «

Puedes encontrar a John Oh en Twitter @ JohnOhOfSydney.


Querido Dan: Un hombre mayor en mi gimnasio me preguntó tentativamente si podía hacerme una «pregunta inapropiada». Le dije que podía. Soy heterosexual, obviamente es gay y pensé que me iba a pegar. Luego dijo que la pregunta era «de naturaleza sexual» y ¿estaba seguro de que estaba bien? Dije si. Me preguntó si podía comprar los zapatos que uso en el gimnasio tan pronto como estén desgastados. Sé por qué alguien quiere mis zapatos viejos, obviamente se masturban con ellos, y eso está bien, todos tienen sus cosas raras (incluido yo mismo). Dos preguntas rápidas: ¿no es arriesgado lo que hizo? (Pude ver fácilmente cómo reaccionó mal otro hombre). ¿Y cuánto debo preguntar?

Nikes olor entretiene a un desagradable senior

Queridos SNEAKS: Definitivamente era una pregunta arriesgada, SNEAKS, pero probablemente no seas la primera persona a la que recurrió. Me imagino que tiene un sentido bien ganado de quién es probable que responda positivamente y quién no (y algunas membresías canceladas en el gimnasio en el camino). Y yo diría que $ 20 sería justo. No es el costo total de reemplazar los zapatos: es un rompe zapatos, no un sub-aleta, pero es suficiente para pagar, y refleja el valor de sus zapatos viejos. No para el mercado libre, sino para él.


Querido Dan: Una pareja heterosexual que conozco «Dabbles» en Knick visitó recientemente una famosa tienda de cuero / fetiche / esclavitud que está estrechamente asociada con la comunidad gay de San Francisco (Sr. S Leather, no es que sea importante es). Compraron algunos dispositivos de esclavitud simples que podían ordenar fácilmente en línea en cualquier cantidad de tiendas que no son instituciones en la subcultura gay BDSM. No creo que la gente heterosexual deba irrumpir en habitaciones que no son de su propiedad para comprar artículos que no fueron hechos para ellos. Yo tampoco soy homosexual, pero trato de ser un buen aliado, y parte de ser un buen aliado es responsabilizar a otras personas heterosexuales.

Respeta el espacio extraño

Estimado RQS: Debes estar bromeando con esta mierda, RQS. Donald Trump ha prohibido a los transexuales del ejército, la administración de Trump ha permitido que los médicos y paramédicos se nieguen a tratar a las personas homosexuales, han permitido que las agencias de adopción financiadas por el gobierno discriminen a las parejas del mismo sexo, y solo han realizado investigaciones prometedoras sobre una cura para ello. VIH (para deleite de los conservadores religiosos que todavía quieren vernos muertos). Y muchos insultos por lesiones, RQS, Donald Fucking Trump «celebraron» el Mes del Orgullo con un tweet, y no solo te preocupa que una pareja heterosexual tenga algo de ropa en un cuero / fetiche / esclavitud gay La tienda compra pero tú también vienes. Esperaba elogios con esta mierda. Cuando un par de personas heterosexuales migran a una empresa de propiedad gay que está legalmente obligada a no discriminar por motivos de orientación sexual, una ley que también protege a las personas queer, estás perdiendo el tiempo haciendo RQS todo lo que está sucediendo, eres un aliado de mierda y una persona peor Para asegurarme de que el Sr. S estaba bien, compartí su carta con el Gerente General Jonathan Schroder, quien dijo: “Pertenecemos a hombres homosexuales y los comercializamos específicamente a hombres homosexuales. Pero todos son bienvenidos aquí. Nos alegra que haya personas heterosexuales que se sientan cómodas aquí cuando compran. «


En Lovecast, la señora Matisse le dice que escuche el programa de S&M: savagelovecast.com.

mail@savagelove.net

@fakedansavage en Gorjeo

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Florida Se dice que sufrió DE permanente de Propecia

Un hombre de Florida dice que tomar Propecia, comúnmente conocido como finasterida, arruinó su vida y lo obligó a tomar un reemplazo de testosterona, usar medicamentos para la disfunción eréctil como Viagra y Cialis, y obtener un implante de pene.

«Dicen que lo que nos está sucediendo es raro, pero creo que si los muchachos supieran que tienen una probabilidad del 1 por ciento de que nunca tocarían esta droga», dijo el hombre que Drugwatch solo identificó como DR . «En mi experiencia, pasé 10 años sin una erección espontánea».

DR, que trabaja en finanzas, dijo que escuchó sobre Propecia por primera vez a través de su padre.

«Mi padre lo había tomado para la pérdida de cabello y cuando mi cabello se adelgazó, dije:» También podría intentarlo «, dijo DR.» Fui al médico y lo pedí. Mi padre tuvo uno mientras tomaba Propecia disfunción eréctil, pero como era mayor, solo lo atribuyó a la edad, y ahora se pregunta si la droga tiene algo que ver con sus problemas «.

DR tenía 26 años cuando comenzó a tomar Propecia. Era un hombre joven con una vida sexual saludable, pero eso cambió unos meses después.

7 meses de Propecia resultaron en 10 años de efectos secundarios

Cuando DR experimentó por primera vez disfunción eréctil o disfunción eréctil, tomó aproximadamente siete meses tomar Propecia.

«Fui a tener relaciones sexuales con mi novia y tuve una impotencia total», dijo el Dr. DR. Después de ese intento sexual fallido, miré hacia abajo y pensé: ‘Dios mío. Mi pene se ha encogido. «Recuerdo haber pensado:» Parece el pene de un niño. «

Ese fue el comienzo de los próximos 10 años de vida con problemas psicológicos, hormonales y sexuales.

Se dio cuenta de que sufría de niebla mental, tropezó con las palabras y perdió la cabeza para bromear con sus amigos. Su cabello cambió de textura, perdió energía y no tenía absolutamente ningún deseo sexual.

«Lo único que fue diferente fue Propecia», dijo DR. «Antes de eso, corrí, jugué fútbol y tuve una gran vida sexual». Dejé de tomarlo de inmediato cuando noté estos problemas y pensé que los efectos secundarios desaparecerían. «

DR esperó una semana y luego dos semanas. Entonces comenzó a preocuparse.

«El doctor dijo:» Dale más tiempo. «Fui a otro médico y él dijo que debería darle a mi cuerpo un año para sanar y la mayoría de la gente se recuperó», dijo DR.

Después de un año, los problemas de DR no mejoraron. Visitó a otro médico que le recetó Cialis.

«Al principio ayudó», dijo DR. «Todavía tenía disfunción eréctil, pero pude lograr una erección completa. Pero todavía no tenía mucho deseo sexual y mis músculos habían perdido peso. Mucha gente me preguntó si estaba enfermo. «

Frustrado, DR recurrió a terapias de testosterona como AndroGel y continuó usando Cialis y Viagra.

Pero finalmente Cialis y Viagra dejaron de funcionar y encontró a AndroGel terrible para él.

«He estado en todos los médicos locales que pensé que podrían ayudarme», dijo. «Estuve en la Clínica Cleveland y la Clínica Mayo y no encontré una solución real. Las inyecciones de testosterona me ayudan con mi función cognitiva y mi deseo sexual, pero todavía tengo disfunción eréctil».

«Tengo este secreto»

DR hizo su mejor esfuerzo durante años para vivir con los síntomas. Pero salir era una terrible pesadilla para él.

Lo obligó a evitar a las mujeres.

«Cuando la gente me miraba, veía a este hombre exitoso y guapo. Pero es como si tuviera este secreto ”, dijo. «Me gustaría casarme y establecerme, pero no puedo entrar en una relación y decir:» ¿Sabes qué? No puedo tener una erección constante. «

Finalmente, DR buscó una solución más permanente a sus problemas sexuales y obtuvo un implante de pene que le costó $ 30,000.

«Quiero tener una relación real y seguir con mi vida», dijo. «Eso me siguió».

Después de recibir el implante, pudo mejorar su calidad de vida a los 36 años, pero siempre debe confiar en la medicación de testosterona.

«Comparto mi historia porque hay demasiadas personas inocentes que podrían verse afectadas por este medicamento y solo necesitan estar conscientes de lo que puede hacer», dijo el Dr. DR. «Sin duda, esto ha cambiado mi visión de los medicamentos recetados». . Si observa el hecho de que hubo estudios de estos efectos secundarios antes de comenzar a tomarlos, pregúntese por qué no había señales de advertencia. Te hace cuestionar todo. Ningún hombre lo tomaría si supiera que existe la posibilidad de disfunción eréctil permanente. «

मायावती का अखिलेश पर तंज – पत्नी

नई दिल्ली। की चुनावों में सपा-बसपा-रालोद गठबंधन ने यूपी की 80 सीटों पर चुनाव लड़ा। करीब दलों ने उम्मीद थी कि उपचुनावों में मिली जीत के बाद महागठबंधन करीब करीब 50 सीटें पाएगा, लेकिन मोदी लहर इस भी बरकरार रही और महज महज 15 सीटों महज ही सिमट गया। बहरहाल, अब नई मोदी सरकार बन चुकी है, लेकिन यूपी में गठबंधन में शामिल दलों में अब तू मैं मैं मैं मैं शुरू गई गई। है चुनावों के नतीजों की समीक्षा करते हुए बसपा सुप्रीमो मायावती ने कहा कि जैसा हमने सोचा था वैसे नतीजे नहीं मिले। उन्होंने दावा किया कि यादव वोट ट्रांसफर नहीं हो है, लिहाजा, अब गठबंधन की दोबारा समीक्षा की की जाएगी। इतना ही नहीं मायावती ने यहां तक ​​कह दिया कि सपा अध्यक्ष अखिलेश यादव अपनी पत्नी और भाई को भी चुनाव नहीं जिता पाए हैं। इतना ही नहीं मायावती ने ईवीएम में धांधली का भी आरोप लगाया।

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विमान वायुसेना का विमान AN-32 अरुणाचल में में 8, 8 क्रू मेंबर समेत 13 लोग विमान में थे सवार

छह राज्यों के चुनाव प्रभारियों की छुट्टी

मायावती ने समीक्षा बैठक से पहले रविवार को मायावती उत्तराखंड, बिहार, झारखंड, राजस्थान, गुजरात और ओडिशा के लोकसभा चुनाव प्रभारियों को हटा हटा। इसके साथ ही उन्होंने तीन राज्यों के प्रदेश अध्यक्षों को भी पद पद बेदखल कर दिया। इसके साथ ही उन्होंने दिल्ली और मध्य प्रदेश के बीएसपी अध्यक्षों को भी पद से बेदखल कर कर।

CBI झटका विशेष अदालत ने रॉबर्ट वाड्रा को दिया झटका, इलाज के लिए लंदन जाने की अनुमति नहीं मिली

ईवीएम में बड़ा घोटाला हुआ

समीक्षा बैठक से पहले यूपी के श्रावस्ती से नवनिर्वाचित बसपा सांसद राम शिरोमणि वर्मा ने फिर से ईवीएम राग अलापा है। उन्होंने ईवीएम घोटाले का आरोप लगाते हुए कहा कि देश में लंबे लंबे पैमाने घोटाला हुआ है। उन्होंने कहा कि हमने पहले भी यह मुद्दा उठाया है कि चुनाव बेलेट पेपर चाहिए चाहिए बहरहाल बहरहाल बहरहाल अब अब अब

2014 से बेहतर प्रदर्शन किया

भले ही मायावती इस बार यादव वोटों के उनके पक्ष में वोट नहीं करने की हों हों हों हों इस बार महागठबंधन की जीती 15 सीटों से से 10 मायावती की पार्टी के हिस्से आईं आईं हैं।

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Cialis

Cialis se usa con mayor frecuencia para tratar la disfunción eréctil y la impotencia cuando un hombre tiene dificultades para mantener una erección o no puede erigirse en absoluto. A veces también se prescribe para una próstata agrandada.
Tadalafil es el ingrediente activo en Cialis. Mejora el flujo de sangre al pene para que un hombre pueda tener una erección por actividad sexual.
Dependiendo de cómo su médico le recete el medicamento, puede tomarlo según sea necesario antes del sexo o todos los días. Si lo toma según sea necesario, los efectos pueden durar hasta 36 horas.

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Descripción del producto

Uso general
Cialis es un inhibidor eficaz, reversible y selectivo de la fosfodiesterasa tipo 5 (PDE 5), que es específico para el monofosfato de guanosina cíclico (cGMP). Cuando la estimulación sexual provoca una liberación local de óxido nítrico, la inhibición de PDE 5 por Cialis conduce a un aumento en los niveles de cGMP en el cuerpo del pene cavernoso. Conduce a la relajación de los músculos arteriales lisos y al flujo sanguíneo al tejido del pene, lo que conduce a erecciones. Cialis no tiene efecto si no hay estimulación sexual. Cialis mejora la erección y permite una relación sexual exitosa. La droga funciona durante 36 horas. Si hay excitación sexual, el efecto ocurre incluso después de 16 minutos después de tomar el medicamento.

Dosis y dirección
La dosis recomendada de Cialis es de 20 mg y debe tomarse al menos 16 minutos antes de la actividad sexual. El efecto persiste durante 36 horas. Tome Cialis una vez al día y no exceda la dosis recomendada.

Precauciones
Es preferible no usar Cialis con jugo de toronja, bebidas alcohólicas o tabaco. Fumar tabaco y tomar Cialis al mismo tiempo puede provocar una afección llamada NAION (pérdida repentina de la visión debido a los nervios ópticos). Antes de tomar Cialis, informe a su médico si tiene un pene anormal, que incluye un pene curvo y defectos de nacimiento del pene, enfermedad de la arteria coronaria, arritmia, angina, ataque cardíaco o insuficiencia cardíaca congestiva, hipertensión, hipertensión, sangrado, úlcera péptica, diabetes, Antecedentes de hiperlipidemia (exceso de lípidos en la sangre), anemia falciforme, insuficiencia hepática o renal.

Contraindicaciones
Cialis está contraindicado en pacientes que usan regularmente y / o temporalmente cualquier forma de nitrato orgánico, ya que puede potenciar los efectos hipotensores de los nitratos.

posibles efectos secundarios
Los efectos secundarios más comunes con Cialis son enrojecimiento facial (enrojecimiento), dolor de cabeza, malestar estomacal, diarrea, síntomas parecidos a la gripe y náuseas. En casos raros, puede ocurrir presión arterial baja, visión borrosa y cambios en la visión del color, así como eyaculación anormal. También son posibles erecciones más largas o priapismo (erecciones dolorosas que duran más de 6 horas). Si su erección dura más de 4 horas, consulte a un médico de inmediato, ya que esto puede dañar permanentemente su pene. Se ha informado de agravamiento de problemas cardíacos en pacientes con enfermedades cardíacas preexistentes que usan Cialis.

Interacción con otras drogas.
El uso simultáneo con medicamentos que contienen nitratos orgánicos puede provocar hipotensión severa, que es peligrosa en algunos casos. Evite tomar Calis con medicamentos como el tetranitrato de eritritilo, el dinitrato de isosorbida, el mononitrato de isosorbida, la nitroglicerina, el tetranitrato de pentaeritritol. Los niveles de Cialis y la toxicidad aumentan con la eritromicina, ketoconazol (Nizoral), itraconazol (Sporanox), indinavir (Crixivan) y ritonavir (Norvir). Informe a su médico si está tomando Atazanavir, bunazosina, claritromicina, doxazosina, eritromicina, indinavir, itraconazol, ketoconazol, moxisylyte, nefazodona, nelfinavir, fenoxibenzamina, fentolamina, prazosina, saquinavir, telitromicina, prazosin, corrección de prazosin, prazosin.

Dosis olvidada
No se toma una dosis omitida cuando Cialis se usa para tratar la disfunción eréctil, ya que se usa cuando es necesario.

Sobredosis
Una sobredosis de Cialis causa síntomas que se describen como efectos secundarios. Obtenga ayuda médica de inmediato si cree que ha tomado demasiado de este medicamento.

almacén
Almacene en un recipiente hermético a temperatura ambiente, lejos de la humedad, la luz solar, los niños y las mascotas.

Descargo de responsabilidad
Solo proporcionamos información general sobre medicamentos que no cubren todas las direcciones, posibles integraciones de medicamentos o precauciones. La información local no se puede utilizar para el autotratamiento y el autodiagnóstico. Las instrucciones específicas para un paciente en particular se deben acordar con su profesional de la salud o médico. Rechazamos la fiabilidad de esta información y los errores que contiene. No somos responsables por daños directos, indirectos, especiales u otros daños indirectos causados ​​por el uso de la información en este sitio web o por las consecuencias del autotratamiento.

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