Lo hueles antes de verlo.
Un toque de mantequilla. El agudo crujido de jengibre. Pronto notará que inhala la dulzura terrosa del pan de jengibre. Pero no estás en una panadería. Estás en el medio del Instituto de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y estás frente a una enorme casa de pan de jengibre del artista Nayland Blake.
La pieza de 1988 se titula «Feeder 2» y se inspiró en «Hansel y Gretel», el cuento de hadas de los hermanos Grimm sobre un par de hermanos que son atraídos a una deliciosa casa de pan de jengibre, solo para descubrir que es Una trampa colocada por un caníbal Como cuenta la historia, esta casa de pan de jengibre del tamaño de un adulto que se registra a 7 pies de altura seduce con su fragancia y proporciones. Pero quédese demasiado cerca y la dulzura puede comenzar a abrumar.
«Se trata de lo que sucede cuando obtienes exactamente lo que quieres», dice Blake, que lleva una diadema de donas y una camiseta que dice «Papi contra el patriarcado» este cálido jueves por la tarde. El artista con sede en Nueva York (que usa pronombres de género no binarios) navega a través de cajas entreabiertas en ICA LA mientras se prepara para su retrospectiva de carrera más completa, «No Wrong Holes: 30 Years of Nayland Blake».
«Realmente no se puede pasar mucho tiempo en él», dice Blake sobre la instalación de pan de jengibre. «La manteca es realmente intensa».
El artista Nayland Blake está de pie frente a la escultura «Crossing Object (Inside Gnomen)» 2017 en el ICA LA.
(Mel Melcon / Los Angeles Times)
Originalmente hicieron la escultura en una alondra, una escultura única que se mostró en la Galería Matthew Marks en Nueva York a fines de la década de 1990, la galería comercial que ha representado desde 1992.
«Nunca se vendería», pensó Blake. Aún así, se convirtió en una marca registrada. (De hecho, se mostró en el Hammer Museum en 2014).
Blake no realiza regularmente instalaciones arquitectónicas con productos horneados, pero con sus connotaciones de tentación, dedicación y premonición toca temas que se examinan regularmente en la obra del artista.
El influyente artista, curador y maestro (Blake dirige un programa conjunto de maestría en Bard College y el Centro Internacional de Fotografía en Nueva York) es conocido en una carrera que se remonta a la década de 1980, incluidos los años de fundación en San Francisco y Los Ángeles. convertido para el trabajo visceral. Esto incluye actuaciones, pero también esculturas y ensamblajes que toman objetos cotidianos (zapatos, juguetes, álbumes de discos, equipos de esclavitud) y los usan para comprender categorías sociales como género, raza, sexualidad extraña y los puntos difíciles en los que pueden encontrarse, para desmontar
Por ejemplo, una escultura en la retrospectiva titulada «Ibedji (Quick)» de 1996-97 resume una serie de preocupaciones del artista en una sola vitrina. El conjunto se refiere al ibeji de la cultura yorubana (retratos tallados de gemelos), en este caso expresado como un par de botellas de conejo Nesquik a juego. También hay botones etiquetados como «Maestro» y «Jefe», objetos adquiridos a través de la participación del artista en escenas fetichistas y BDSM (esclavitud y disciplina, dominio y sumisión, y sadomasoquismo), así como palabras relacionadas con el Argot refleja la esclavitud.
«Ibedji (Rápido)», 1996-97, por Nayland Blake.
(Galería Nayland Blake / Matthew Marks)
«Ibedji (Rápido)» evoca la complejidad del estado híbrido de Blake: queer y mestizo, el niño de piel clara de una madre blanca y un padre negro, que a menudo se confunde con blanco. Blake dice de la obra: «Estaba pensando en ser el heredero de dos tradiciones».
Al igual que el trabajo más grande del artista, la pieza trata con ideas difíciles con humor asesino y el lapso de la vida cotidiana. La pieza modestamente escamada es una especie de altar portátil con corcho, cigarros y perlas, una ceremonia ritual para llevar. La pieza central son las botellas de conejo Nesquik: una marrón chocolate y la otra roja fresa.
Jamillah James, curador de la exposición, dice que Blake ha abordado temas difíciles como «Relaciones raciales e historia del terror racial» a lo largo de su carrera y encontró formas de «socavar esto con un increíble sentido del humor y la diversión».
James quería enfatizar esto al diseñar la retrospectiva.
«La forma en que lo pensamos es la idea de jugar y la forma en que el juego se puede articular de diferentes maneras», dice ella. «Juega con muñecas, pero también con juegos íntimos, cosas que se sugieren al espectador, e imagínate en uno de esos inventos que hizo Nayland».
El artista a menudo ha utilizado juegos de esclavitud en su trabajo, incluidas máscaras de látex, puños y grilletes. Estos son objetos que se ocupan de la sexualidad, pero también están relacionados con problemas más grandes de apego humano literal.
«Kit No.7 (Flush)», 1990, una escultura de Nayland Blake, que proviene de la cultura fetiche.
(Colección de Doug McLemont y Eric Bryant)
«¿Qué significa», dice Blake, «que un descendiente de esclavos esté interesado en fotos de cadenas y grilletes?»
En prístinas salas blancas, las obras también se leen como una crítica mordaz de la frescura moderna y minimalista: Dan Flavin o Donald Judd a través de la lente del castigo corporal.
También hay elementos de peluche: muñecas y peluches, especialmente conejos, un animal que encarna elementos de astucia, mayor sexualidad y juegos sexuales. Después de todo, Bugs Bunny era famoso por travestirse.
Quizás lo más conmovedor es el video «Comenzando de nuevo» de 2000, que muestra al artista con un enorme disfraz de conejo lleno de 140 libras de frijoles secos, el peso del socio de Blake, Phillip Horvitz en ese momento. (Horvitz, un artista de performance, murió en 2005).
En este conjunto incómodo, Blake realiza una serie de movimientos de baile por orden de Horvitz. Es un reflejo de acoplamiento, dominación y lucha, todo en un conejo bailando.
«Me gusta la idea de que sea algo patético», dicen. «Me gusta la idea de que es desarmador».
Un video de «Starting Over», 2000, de Nayland Blake.
(Galería Nayland Blake / Matthew Marks)
Blake nació en Nueva York en 1960, en parte debido a los caprichos del destino. Sus padres eran de New Bedford, Massachusetts, pero se mudaron a la ciudad de Nueva York.
«Cuando un hombre negro dio a luz a una estudiante blanca de 18 años a la edad de 20 años, su familia la echó», dice Blake, señalando que esta era una era en la que el matrimonio interracial todavía era ilegal en numerosos estados. «Básicamente corriste a Nueva York».
Nueva York finalmente brindó algunas de las experiencias más formativas del artista: eche un vistazo a los dioramas del Museo Americano de Historia Natural, vaya a la Feria Mundial de 1964 y mire el panorama de la ciudad de Nueva York, un extenso modelo 3D de la ciudad que representa los cinco Distritos en escala 1: 1200 (ahora está en el Museo de Queens a la larga).
Al artista le encantó la idea de estos mundos inventados.
«La idea de que podría proyectarme en estas habitaciones», dicen, «el mismo tipo de habitación que un diorama de Joseph Cornell al que podría escapar».
Nayland Blake mira por la ventana de su escultura de pan de jengibre «Feeder 2», 1998.
(Mel Melcon / Los Angeles Times)
Blake creció en Manhattan en la década de 1970. Este fue un momento en que partes de la ciudad se incendiaron y el presidente Ford se negó a rescatar la ciudad casi en bancarrota del gobierno federal, que generó titulares como el infame «Ford to City: Drop Dead».
«Lo sorprendente de Nueva York en la década de 1970 fue que nadie lo quería», dicen. «Así que hubo una oportunidad de hacer cosas con eso».
En la escuela secundaria, Blake conoció a un grupo de «nerds del arte» que participaron en eventos Fluxus y eventos organizados por Charlotte Moorman, la violonchelista de vanguardia que una vez fue arrestada por jugar en topless .
«En el mundo del arte donde crecí, nadie ganó dinero ni tuvo una carrera», dice Blake. «Fue súper importante».
Blake era un amante del cine (eran habituales en Anthology Film Archives, que se especializa en trabajos experimentales) y decidió estudiar cine cuando ingresaron en el Bard College. Finalmente, sin embargo, cambiaron a la escultura bajo la influencia de artistas como Jonathan Borofsky (la famosa escultura «Ballerina Clown» en Venecia y «Molecule Man» en el centro de Los Ángeles) y exhibiciones como «Times Square Show», la exposición de arte contemporáneo inmersiva puesta en escena por el grupo Colab en 1980.
«¿Este diorama que me fascina estar dentro? Podría hacerlo», dice Blake. «El único nombre que podía darle era escultura».
«Ruins of a Sensibility», 1972-2002, de Nayland Blake, es una estación de DJ interactiva.
(Galería Nayland Blake / Matthew Marks)
Después de Bard, se mudaron a Los Ángeles para completar su Maestría en Bellas Artes en CalArts. (Se graduaron en 1984.) Pero la escuela, parte de la cual podría ser doctrinal, no funcionó bien.
«Un artista invitado vendría y sería un deporte sangriento ver quién podría ser la primera persona en hacer la primera pregunta que sorprendió a la persona», recuerda Blake. «Era un grupo crítico basado en la teoría, y era muy pesimista sobre el acto de hacer arte».
La escuela «me mantuvo alejado de los requisitos previos … es una experiencia realmente valiosa», agregan. También trajo a Blake a una cohorte que incluía artistas que también trataban cuestiones de género e identidad, como la pintora de Los Ángeles Judie Bamber y el artista de performance Guillermo Gómez-Peña.
Fue el traslado de Blake a San Francisco en 1984 lo que cambió todo.
«Era la capital gay», dicen. «Y también este lugar, que en ese momento estaba fuera del radar del mundo del arte serio».
Un lugar que, como Nueva York en la década de 1970, estaba lleno de oportunidades: “Llegó toda una generación de personas y no entendimos por qué no podíamos hacer lo que hicimos, así que simplemente lo hicimos. «
Blake encontró su voz en San Francisco y se hizo conocido no solo como artista sino también como curador. Junto con Lawrence Rinder, Blake organizó el innovador espectáculo «En una luz diferente», que examinó la experiencia LGBTQ en el arte del siglo XX.
El propio trabajo de Blake se inspiró en importantes conceptualistas del Área de la Bahía como David Ireland y William T. Wiley, cuyo «hippie funky» no tenía nada de la austeridad del minimalismo y el conceptualismo en la costa este.
«Era desordenado y poco elegante para que la gente lo viera», dice Blake. «Eso me pareció interesante».
«Sin título», 1997, un dibujo de Nayland Blake.
(Galería Nayland Blake / Matthew Marks)
Durante este tiempo, el artista se hizo conocido por conducir el arte en San Francisco en nuevas direcciones. Incorporaron objetos de porno gay y fetiche en ensamblajes e instalaciones relacionadas con la identidad queer, BDSM y la escena del padre de cuero de San Francisco.
Un trabajo de principios de los 90 reúne portadas de álbumes musicales que muestran cómo los cantantes populares tocaban con género, como el álbum de 1972 de Lou Reed «Transformer», que mostraba a un hombre en poses y vestidos masculinos y femeninos.
«He estado pensando en este tipo de desempeño de género», dice Blake. «Este catálogo de sexualidad».
Estas exploraciones encontraron el tema de la raza sin excepción.
«Cuando conocí a hombres homosexuales en Nueva York, usaban términos como» buscadores de carbón «», recuerda el artista. «Si eras un hombre blanco en un hombre negro, eras un» buscador de carbón «… Este racismo ocasional, especialmente los hombres negros, fue acompañado por la misoginia».
La piel clara de Blake ha iniciado al artista en lo que la gente dice cuando cree que una persona negra está fuera de la habitación, y cómo lidiar con esos momentos. «Para que yo sea así, estás en la habitación con un hombre negro», dicen. «La incredulidad que recibiría de la gente».
Cuestiones como la raza y el racismo son quizás más sardónicas en los dibujos de Blake, que comenzó a producir en grandes cantidades cuando regresó a Nueva York en 1996.
Sus imágenes incluyen símbolos cargados como collares y lazo, pero también personajes de dibujos animados que recuerdan a Brer Rabbit (la historia popular inspirada en el folklore africano) y Krazy Kat, el cómic de principios del siglo XX creado por el dibujante multirracial George Herriman, quien fue considerado blanco.
«Sin título», 2005, un dibujo de grafito de Nayland Blake.
(Galería Nayland Blake / Matthew Marks)
La variedad de temas que Blake abordó en su trabajo y la variedad de materiales que usaron les dificultó llenar un nicho en el mundo del arte.
«El mundo del arte tiene muy poca paciencia o capacidad para lidiar con la hibridación para lidiar con estas cosas en todo el espectro», dice Blake. «Le gusta poner a las personas en un solo lugar».
Pero la retrospectiva en ICA LA ha reunido todas las preocupaciones del artista bajo un mismo techo.
James dice que produjeron obras «de una manera tan elegante y oscuramente divertida».
Para ver el trabajo de su vida en una habitación, «realmente se mueve», dice Blake. «Fue todo esto lo que hice con bastante rapidez».
La retrospectiva da una sensación de permanencia.
«Es interesante», dice Blake, «ver cómo se convierte en historia».
«Sin agujeros equivocados: Treinta años de Nayland Blake»
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Cuando: Abre el 29 de septiembre y se extiende hasta enero. 26
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Donde: ICA LA, 1717 E. 7th St., centro de Los Ángeles
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Información: (213) 928-0833, theicala.org
