A principios de este mes, la marca londinense de skate Palace trabajó con los herederos de Whitney Houston y su Legacy Foundation en una colección cápsula con cuello redondo, camisetas y una chaqueta lisa de color rojo cereza con las palabras «Whitney» en la espalda y «Houston» en la parte superior. Frente. Frescas e informales, las piezas representan la estética relajada de Houston (una camiseta negra con la imagen del cantante de Richard Avedon se vería fantástica con los jeans Still Here de estilo vintage o clásicos 501). Pero no solo se ven bien, también lo hacen bien. Palace realiza donaciones a organizaciones benéficas apoyadas por Houston y dona las ganancias de la colección a organizaciones que financian el trabajo de derechos civiles para los niños, brindan becas universitarias para estudiantes negros, luchan contra la diabetes en los niños y más.
La colección cápsula está bien hecha y ya está agotada. Parte del atractivo es el sentimiento de recaída. En los años 80 y 90, cuando Whitney gobernaba, no era raro que las líneas de ropa obtuvieran una licencia para una foto de un músico o lo contrataran para una campaña publicitaria. Pero el tipo de colaboraciones y colecciones de moda artísticamente dirigidas a las que estamos acostumbrados de estrellas como Rihanna o Zendaya son desarrollos mucho más recientes. Luego, las estrellas del pop inspiraron la moda en lugar de crearla.
La relación entre música y moda siempre ha sido fuerte. ¿Qué sería del punk sin la tienda SEX de Vivienne Westwood y los imperdibles o el techno en la escena actual sin Nike Tuned? La identidad visual es parte de la declaración artística: las miradas no solo encarnan momentos, sino también actitud, esencia y cultura subyacente. ¿Qué sería de la pasarela sin las voces del pop, el rap y el R&B? Las estrellas del pop, el rap y el R&B han influido durante mucho tiempo en los diseñadores y el prêt-à-porter. De la colección de estrellas del pop de Jean Pop Gaultier de los años 80 en la primavera / verano de 2013, que reinterpretó el aspecto original de Ambición rubia y Discoteca En la década de 2010, los diseñadores prominentes de la infame colección grunge Perry Ellis de Marc Jacobs de 1993 con Sonic Youth y casi todo lo que Hedi Slimane ha hecho, seguían haciendo referencia al pop y otras estrellas de la música y sus semejanzas.
La relación artista-musa a menudo se volvió sobredimensionada, especialmente con Aaliyah y Tommy Hilfiger. Su estilo característico (pantalones holgados de gran tamaño, gafas de sol ciber-futuristas y tops de sujetador minimalistas fusionaron la sensibilidad de la calle, un toque de rave, estética BDSM y básicos tomboy desnudos) hicieron para un estilo como ningún otro. Daría forma al diseño y marketing de Tommy Hilfiger de los 90 (quien la contrató en una campaña de 1996 con Mark Ronson, entonces de 21 años). Cuando Hilfiger contrató a Aaliyah, no fue un simple golpe de su ropa con la estrella de R&B: el artista ya usaba jeans y rompevientos Tommy, y la forma en que ella los usaba ya era suya. Ella lo influenció.
Hoy en día, las estrellas de la música femenina no solo son inspiración, sino también empleadas y creadoras que toman el control del diseño y la responsabilidad financiera. Como una de las primeras en adoptar varios años, Madonna lanzó una colección cápsula para H&M en 2007, en la que el ícono, junto con la diseñadora de H&M Margareta van den Bosch, entregó una gama de elementos esenciales en blanco y negro mínimos, casi listos para la oficina.
Zendaya (aunque es actriz y no músico) trabajó con Tommy Hilfiger no en una, sino en dos colecciones: Primavera 2019 y una oferta memorable de Otoño 2019 que se mostrará en el icónico Teatro Apollo. La última colección se basa en el estilo de las mujeres negras de la década de 1970 en Nueva York y más allá, en particular la abuela de Zendaya. Un traje con solapa de terciopelo rojo burdeos, chaquetas de un botón abotonadas, pantalones con piel de serpiente y perneras anchas: la ropa combina el estilo de Harlem de la era Carter con el Tommy moderno y transmite no solo un mensaje sobre el gusto, sino también sobre la identidad.
En 2019, Robyn lanzó la colección cápsula RBN con la marca sueca Björn Borg, que suministra sudaderas y chándales de género neutro para el archivo de la marca y su propio guardarropa. Ella diseñó la colección con su amiga, la estilista Naomi Itkes, y las piezas, como una cazadora de color naranja quemado y negro, hablan de su identidad sueca y su estilo andrógino y discreto.
Ese mismo año, Taylor Swift se asoció con Stella McCartney para su gira Lover Fest y produjo merchandising que se agotó casi de inmediato cuando llegó al mercado. Y Honey Dijon inició una colección cápsula con Comme des Garçons.
No se puede negar que las superestrellas fueron empoderadas de esta manera. Pero no todas las interacciones han sido respetuosas, y no podemos hablar de la relación entre los artistas musicales y la moda sin tener una discusión honesta sobre cómo explotar las similitudes de los mismos creativos, especialmente la imagen y el estilo de los creadores negros. Desde Rihanna hasta Beyonce y Aaliyah, el aspecto y la semejanza de los artistas se han abierto camino en las colecciones y la producción de moda rápida.
Por ejemplo, el vestido Adam Selman Met Gala desnudo de Rihanna, una combinación memorable de estilo personal y visión de diseño, si es que alguna vez hubo uno. Demasiados diseñadores salieron a la luz versiones de su estilo para enumerarlas semanas después. ¿Eso es «inspiración»? ¿Qué pasa si esa semejanza lo convierte en un contexto de moda rápida? ¿Dónde está la línea entre la inspiración y tomar o beneficiarse de alguien con quien no tienes una conexión auténtica? ¿Cuándo las demandas y la influencia se convierten en apropiaciones? ¿Quién se beneficiará de las recompensas sociales y económicas de comercializar la identidad visual? En algunos casos (por ejemplo, cuando Supreme saca una camiseta con una foto de los paparazzi de Britney Spears durante su fase de cabeza rapada) ni siquiera hay un debate.
En un sentido más amplio, muchas estrellas han luchado por controlar su propia imagen. ¿Recuerdas cuando Miley Cyrus dejó Disney? En unos meses, pasó de ser familiar a hacer twerking junto a Robin Thicke en ropa interior de látex desnuda en los VMA. La ruptura de Cyrus con la apariencia de la marca Disney fue ruidosa y un poco caótica. Vino con una reacción violenta real. Pero también simbolizó un movimiento hacia una mirada que ella misma creó. La responsabilidad personal estilística no fue un proceso simple o sencillo.
Sin embargo, las cosas están cambiando. Por ejemplo, imagina si Aaliyah hubiera crecido hoy. Cuando se abrió paso en los 90, no tuvo la oportunidad de ver estrellas en el estilo de música actual, pero no hay problema en imaginar que no solo está modelando, sino que posee y desarrolla una línea en un mundo en el que recién está comenzando. empezó. La industria de la música, y su relación con la moda, ya no está dominada solo por ejecutivos masculinos y la marca corporativa. Las mujeres artistas tienen más responsabilidad personal por su imagen de varias formas.
Además de la cooperación, hay una estrella que juega en una liga propia, por ahora. Esa es Rihanna, por supuesto. Trabajó con Puma desde 2015. lanzó Fenty Beauty en 2017 y se centró no en el blanco sino más bien todo Tonos de piel: con efecto inmediato en toda la industria de la belleza; y transformó el juego de la lencería con su talla y línea específica de género Savage x Fenty. Luego vino la línea principal de Fenty. Rihanna, la primera nueva marca creada por LVMH, también consolidó a Rihanna como la primera propietaria negra y la primera mujer propietaria dentro de la empresa. Fenty no solo rompe el techo de cristal. probablemente reconstruya toda la casa.
Es más, Rihanna sale a la venta no solo con una imagen, un estilo que se ha destacado durante 15 años e influido en su música y más allá, sino con una representación, una voz e incluso una reestructuración de la estructura empresarial del conglomerado: Fenty vendió directamente en gotas. (Los nuevos zapatos Fenty salieron hace días: un sexy salón de corsé compuesto por un tacón de aguja y parte de un gladiador). Rihanna puede darnos el modelo para el futuro de la música y el estilo musical. Los días del artista como musa se acabaron.
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